Errores de traducción que vemos reflejados en obras de arte

1. Los cuernos de Moisés

Si viajas a Roma seguramente visitarás la iglesia de San Pietro in Vincoli para ver el mausoleo del papa Julio II. Miguel Ángel esculpió un maravilloso Moisés que luce en su cabeza ¡un par de cuernos! El genial artista italiano no fue el único en representarlo así. Todo se debe a un error de traducción.

El error de traducción se debe a Jerónimo de Estridón. En el año 382 el papa Dámaso I le encargó una traducción de la Biblia a un latín que pudiera ser entendido por el vulgo. Por eso se la conoce como «la vulgata». En la Biblia se explica que Moisés bajó del monte con las tablas de la ley y que en su frente resplandecían unos rayos de luz. Jerónimo confundió el término «karan» que significa rayos de luz con «keren» que quiere decir cuernos y así quedó reflejado en la Biblia que utilizaron los cristianos durante siglos. Los artistas que tomaron como fuente la Biblia hebrea original, pusieron en la frente de Moisés rayos de luz.

2. La cabeza de perro de San Cristóbal

Habitualmente las imágenes de San Cristóbal lo representan como un gigante que con gran esfuerzo cruza un río con un niño a su espalda. Sin embargo, en otras ocasiones lo veras representado como un hombre con cabeza de perro. ¿A qué se debe? Simplemente a un error de traducción.

Es especialmente en la iconografía cristiana ortodoxa donde encontraremos este San Cristóbal cinocéfalo. De este santo, del que actualmente se pone en duda que existiera realmente, se dice que era cananeo. Posiblemente alguien lo interpretó como «canineus» que viene de canino y en la época en que empezó a dibujarse al santo nadie se extrañaba de que existieran en los confines del mundo personas con la cabeza semejante a la de un  can y así lo pintaron.

3. La manzana del Paraíso Terrenal

Todos sabemos que la manzana fue el fruto prohibido que Eva entregó a Adán en el Paraíso Terrenal y así lo vemos reflejado en numerosas obras de arte. Pues bien, este hecho que nos parece tan común y tan evidente, procede de un error de traducción.

En la Biblia original escrita en hebreo en ningún momento se dice que la fruta prohibida fuera una manzana. El error debemos achacárselo de nuevo a Jerónimo de Estridón, el traductor de «La Vulgata». El Génesis indica que Dios prohibió comer del fruto del árbol del bien y del mal. Jerónimo tradujo «mal» como «malum» que es un término que tanto se refiere a un acto negativo como a la «manzana» y como el pasaje habla de un fruto, la gente pensó que era una manzana.

Como veis los errores de traducción no son patrimonio de Google y ya en épocas pretéritas se cometieron algunos que a través del arte han llegado hasta nuestros días. ¿Conoces otros errores de traducción famosos? ¡Compártelo con nosotros!

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– Los genios también se equivocan. 3 errores de grandes mentes

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3 obras de arte que ocultaban un secreto

1. «In the Garden» del impresionista estadounidense Robert Reid

Robert Lewis Reid fue uno de los más conocidos impresionistas estadounidenses. Nacido en Massachusetts en 1864, estudió en Boston, Nueva York y París. Murió en 1929 dejando una extensa obra. Uno de sus cuadros estaba expuesto en el Museo de la Universidad de Valparaíso en Indiana. En 2014, Barry Bauman, conservador del museo, descolgó el cuadro de la sala en que estaba expuesto para proceder a su restauración. Los daños que tenía lo obligaron a retirarlo del marco en que estaba enclavado y, cual no sería su sorpresa, al encontrar debajo de «In the Garden» otro cuadro de Robert Reid.

Nadie sabe el motivo por el cual Reid puso los dos cuadros en el mismo marco, aunque se supone que fue para facilitar su transporte y que luego nunca fue desmontado.

El beneficiado en este caso fue el Museo de Indiana que pasó a poseer dos valiosos cuadros de Robert Reid en lugar de uno.

2. «Mujer joven empolvándose» de Georges Seurat 1888-1890

Seurat, el maestro del puntillismo, pintó en este cuadro a su amante, Madeleine Knobloch. El maestro estaba profundamente enamorado de esta mujer de redondeadas curvas. En el retrato la vemos empolvándose frente a un espejo. Arriba a la izquierda observamos un cuadro con marco de estilo japonés en el que se ve un jarrón.

Hace un tiempo se descubrió que el jarrón no estaba en el proyecto inicial del autor. Lo que había en el marco japonés era un autorretrato del propio Seurat. ¿Qué ocurrió para que cambiase de idea? Al parecer, el pintor enseñó su obra a un amigo y éste encontró que el autorretrato rozaba la ridiculez y así se lo dijo. Seurat avergonzado pintó encima el jarrón que vemos hoy en día.

3. Retrato de Isabella de Médici, hija de Cosme I

Este retrato de Isabella de Médici, de autor desconocido aunque atribuido a Alessandro Allori, estuvo guardado durante años. Una conservadora del Museo Carnegie de Pittsburgh lo sacó de los fondos del museo para una exhibición temporal, pero había algo en la obra que no encajaba. Se suponía que la mujer pintada era Leonor Álvarez de Toledo, esposa de Cosme I. El traje era perfecto, pero en la cara y la mano de la modelo algo no estaba bien. En el reverso del cuadro aparecía estampado el cuño de un hombre llamado Francisco Needham, empleado por la National Portrait Gallery de Londres en el siglo XIX, para que pasara los cuadros de tablas de madera a lienzos. Sin embargo, este cuadro no presentaba en la cara de la retratada las grietas que suelen aparecer tras un traslado de este tipo. Intrigada sometió la pintura a rayos X y descubrió la verdad: la cara y la mano habían sido retocadas.

Cuando se hizo el traslado se modificaron los rasgos de la mujer para hacerlos más acordes al gusto victoriano y poder vender la obra. La confirmación vino de la mano de un libro antiguo de historia florentina en el que se reproducía el retrato. Así se averiguó que no era Leonor Álvarez de Toledo, sino su hija Isabella de Medici. Se quitaron las capas de pintura superpuestas y quedó la pintura como fuera originalmente. ¡Como veis toda una labor detectivesca!

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Los artistas tienen fama de excéntricos, pero seguro que no esperabas que algunos fueran capaces de destruir sus propias obras que tanto esfuerzo les había costado realizar.

El motivo casi siempre fue la insatisfacción, debido a que las circunstancias habían cambiado o a que habían evolucionado y ya no les parecía que su obra estuviera a la altura de lo que se esperaba de ellos. Aunque, a veces el carácter depresivo o destructivo también ha influido en la desaparición de grandes obras.

Monet

Claude Monet, el famoso artista del impresionismo decidió destruir al menos 30 de sus pinturas de la serie Los Nenúfares, después de ser operado de cataratas y recobrar su vista. Esta afección había provocado que el pintor viera los colores un poco más oscuros de lo que en realidad eran. Cuando pudo volver a ver y a distinguir todas las tonalidades, determinó que sus obras no le gustaban y las destruyó.

Kafka

Fran Kafka es considerado uno de los escritores más influyentes de la literatura universal, por obras como La metamorfosis, El Castillo  y El proceso.  Sin embargo, a él no le parecía que tuviera tanto talento y decidió eliminar alguna de sus obras. Incluso, cuando murió, le dejo una carta a su amigo Max Brod, que guardaba parte de sus libros, en la que ponía: «Querido Max, mi último deseo: Todo lo que dejo detrás de mí… es para ser quemado sin leer».

A pesar de que su último amor, Dora Diamant, que tenía la otra parte de sus producciones, sí cumplió con su petición (muchas fueron confiscadas por la Gestapo), su amigo no lo hizo y hoy podemos disfrutar de sus obras.

Vladimir Nabokov

Vladimir Nabokov el autor de la polémica novela Lolita, en la que se retrata a la sociedad estadounidense, también pidió que se destruyera el manuscrito de su último trabajo, The Original of Laura, si no estaba terminado cuando él muriera. Pero, de nuevo, su viuda decidió no hacerle caso y lo conservó.  30 años después, su hijo lo publicó.

Virgilio

El autor de la famosa Eneida, solicitó en su testamento la destrucción de su poema, porque consideraba que no estaba terminado. Sin embargo, en este caso no consiguió su propósito ya que el emperador Augusto se negó y conservó el hermoso poema para la posteridad.

Miguel Ángel

Uno de los más célebres pintores y escultores del mundo, pasó a la historia también por su carácter autodestructivo. Miguel Ángel era una persona muy orgullosa y no quería que la gente supiera todo el trabajo que había tenido que hacer para lograr convertir en realidad esculturas como el David o La Piedad y las pinturas de la Capilla Sixtina.

Por ello, todos sus bocetos de preparación y las pruebas de sus obras fueron destruidos por él mismo. Hoy en día, tendrían un valor incalculable.

Francisco Ayala

Francisco Ayala, el escritor español autor de “El jardín de las delicias”, explicó en una entrevista que destruyó sus poemas porque no eran buenos:

“Los destruí. Como destruí mis pinturas, las que había hecho en un momento de mi vida cuando pensé que podía ser pintor, que era una tradición que existía en mi casa. Tenía los medios materiales, pero mis pinturas no me satisfacían y las destruí, en lugar de dejar esos testimonios de mi torpeza”.

Y cuando le contestaron que era raro que un escritor destruyera su obra, respondió que “sería bueno que muchos lo hicieran”.

Mario Vargas Llosa

También el premio Nobel, Vargas Llosa, como narra en  su obra autobiográfica El pez en el agua, pidió a ayuda a su amigo Javier Silva Ruete para quemar un cajón lleno de versos porque “no era bueno como poeta”. “Tomaba decisiones radicales. Me dijo yo voy a ser un mal poeta, prefiero dedicarme a hace novela. Me pidió que lo acompañase a quemar sus poemas y así lo hice pero me cogí uno de sus versos”, contó Javier Silva.

Estos son sólo algunos ejemplos de todas las obras que no hemos podido disfrutar porque sus propios creadores decidieron destruirlas.

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¡Algunas de las Obras de Arte más «odiadas»!

Las siguientes 5 obras de Arte han sido muy criticadas y «odiadas» por varios motivos, generalmente por lo revolucionarias que resultan. ¿Nos dejarás tu opinión al final del artículo?

«Las Señoritas de Aviñón» de Pablo Picasso

Un revolucionario cuadro de 1907 que cambiaría la Historia del Arte para siempre. Este cuadro ha resultado polémico por distintos motivos. En primer lugar, porque los franceses se han disputado el nombre de Aviñón; para ellos el nombre hace referencia a esta zona francesa pero lo cierto es que Picasso le puso este título por la calle Aviñón en Barcelona, donde se encontraba el prostíbulo que fue de inspiración al cuadro.

Por otro lado también fue una obra muy criticada entre los artistas más vanguardistas del momento. De hecho, Picasso estuvo varios años sin querer mostrar el cuadro al público y no fue expuesto hasta 1916, por miedo a que no fuera comprendido.

«Mierda de artista» de Piero Manzoni

Esta obra fue realizada en 1961 por Piero Manzoni, un artista italiano, caracterizado por sus obras de Arte conceptual llenas de ironía. Esta obra en concreto no tiene desperdicio. Una forma de criticar al mercado del Arte que no pasó desapercibida.

Consistía en 90 latas supuestamente llenas de mierda del artista. 30 años más tarde de la muerte de Piero uno de sus amigos reveló que las latas sólo contenían yeso (información que publicó el periódico Il Corriere della Sera), aunque por lo que parece no se ha abierto ninguna lata con lo cual la duda sigue abierta. El precio que estableció correspondía al precio del oro en ese momento, es decir cada lata contenía 30 gramos de «mierda» y su precio equivalía al precio de 30 gramos de oro en ese momento. Por supuesto, esta obra no fue muy bien recibida entre los críticos. ¿Qué opinas tú de ella?

«Cuerpos» de Roy Glover

Profesor emérito de anatomía y Biología Celular de la Universidad de Michigan (EE.UU.), además de director médico jefe del Laboratorio de conservación con polímero de la Facultad de Medicina.

Su exposición «Bodies Revealed, el cuerpo humano como nunca lo han visto» pasó por varios países y fue visitada por más de 15 millones de personas. Los cuerpos que se exhibían eran reales y habían sido sometidos a un proceso llamado «plastinación». Durante toda la exposición se mostraba el cuerpo humano en detalle y los efectos de enfermedades como la obesidad, el cáncer y de adicciones como el alcoholismo o el tabaquismo.

La exhibición fue catalogada por muchos de poco ética a lo que Roy contestó: «Nuestro mayor objetivo es educar a la gente y ayudarla a entender cómo cuidarse mejor».

Natural History de Damien Hirst

Un artista británico polémico donde los haya. En sus Natural History muestra animales muertos y diseccionados en formol. Su «The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living”, es un tiburón tigre de nada más y nada menos que de 14 pies de largo en una gran vitrina con formol.

Por si fuera poco otra de sus obras «Pareja muerta copulando dos veces», que consistía en una vaca y un toro muertos flotando en formaldehído, fue retirada por las autoridades estadounidenses. ¡Impactante!

Si te ha gustado este artículo, no te pierdas La historia de la Victoria de Samotracia hasta hoy.

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