Lo que Monet veía era bastante extraordinario, ya que suele ser una habilidad restringida sólo a los animales.

Monet veía algo que la mayoría no puede ver, pero los animales sí

Hagamos un poco de historia. Claude Monet fue un pintor francés nacido en 1840, que fue uno de los creadores del impresionismo en pintura, nombre derivado de una de sus obras, Impresión, sol naciente, de 1872. Murió en 1926, pero hacia el final de su vida sufrió de cataratas, lo que ha llevado a algunos expertos a “contextualizar” lo que Monet veía, y lo que pudo haber significado dentro de su proceso artístico.

En 1923, a los 82 años, tuvo una operación donde le retiraron las cataratas del ojo derecho, lo cual le produjo una condición llamada afaquia, que consiste en la ausencia de cristalino. La operación fue un éxito –aunque, por supuesto, en aquella época no había lentillas intraoculares con las que sustituir al cristalino ausente– y, a pesar de que usaba gruesos anteojos, su visión se transformó.

Aparentemente, la operación tuvo un efecto totalmente inesperado. Las pinturas posteriores a la cirugía contienen una profundización en la paleta de los azules, color que aunque utilizaba muchísimo, tuvo sin embargo un cambio sutil que ha dado que hablar a los expertos. Claro que se pueden argumentar muchas cosas, desde una intención artística específica hasta el hecho de que probablemente no veía bien.

La cuestión es que un ojo humano típico y normal responde al espectro electromagnético de luz en una longitud de onda de entre 390 a 750 nanómetros, aunque haya quienes puedan percibirlas desde 380 a 780 nm. Nuestra retina, a través de los conos y bastones –las únicas células que son sensibles a la luz directamente–, sería capaz de detectar longitudes de onda por debajo de los 290 nm, pero el cristalino bloquea todo lo que esté bajo 390. Cuando no hay cristalino, es posible que esos rayos no sigan bloqueados, y si la retina es suficientemente sensible será potencialmente capaz de percibir y ver el espectro ultravioleta.

En la naturaleza, las abejas, las aves y otros animales tienen pigmentos adicionales en los ojos que les permite tener visión UV, determinante tanto en su evolución como en su supervivencia. Muchas flores tienen colores ultravioleta que atraen a las abejas polinizadoras.

Lo que Monet veía luego de la operación de cataratas le permitió percibir su realidad de otra manera; siguió pintando flores, una de sus cosas preferidas, pero las pintaba diferentes. Si ves un nenúfar lo verás blanco, pero Monet comenzó a pintarlo en un tono blanco azulado, quizás porque podía ver algo de la luz UV rebotando en los pétalos.

Claro que todo esto entra en el terreno especulativo, porque Monet está muerto y resulta imposible descubrir si es cierto o no que tenía visión UV. Pero podría ser verdad, aunque eso nada influiría en sus habilidades y destrezas como pintor. Te dejamos un interesante artículo del profesor de oftalmología de la Universidad de Stanford Michael Marmor, publicado en The Archives of Ophtalmology, donde sostiene que sería posible que los cambios de estilo tanto de Monet como de Edgar Degas se debieron no tanto a una voluntad evolutiva hacia el arte abstracto o expresionista, sino más bien a los males oculares que sufrieron con la edad.

Si te interesan estos temas, entonces te encantará leer lo que Van Gogh podía percibir y dejó perplejos a los científicos, y los artistas que destruyeron sus obras.

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Uno de sus aspectos quizás más conocidos es el de las relaciones de la flatulencia con el humor, con presencia en la comedia teatral desde los griegos y desde donde pasó a la comedia cinematográfica; en cambio, en la pintura, sólo hay una presencia relativamente solitaria, y que nos ha llegado desde el ámbito de la pintura japonesa.

La batalla de PEDOS de Japón

He-Gassen (“Batalla de pedos” o “Competencia de pedos”) es un rollo con ilustraciones digitalizado en años recientes y puesto a la disposición del público por la universidad nipona de Waseda. Los dibujos pertenecen al período Edo, al shogunato de Tokugawa, que gobernó Japón entre 1600 y 1868, y fueron realizados por un autor desconocido. He-Gassen es un desfile de personajes, hombres medio desnudos y caricaturescos lanzando pedos contra otros hombres, contra plantas, animales y objetos, y es probable que haya sido un comentario satírico a alguna situación de la actualidad de aquellos días de la que hoy no tenemos conocimiento.

Lo que sí sabemos es que dibujos similares se hicieron como expresión del rechazo que sentían los japoneses por la creciente influencia y presencia de occidentales en el reino nipón.

Aunque existía un emperador, el poder político y militar residía en el shogunato, una especie de dictadura ejercida por un clan y regida por el shogun, parecido a un señor feudal. El clan Tokugawa dirigió el último shogunato por más de 200 años, desde la ciudad de Edo (por eso este período recibe también este nombre; y esta ciudad posteriormente cambiaría su nombre por el de Tokio), e intentó frenar, sin éxito, la creciente presencia de comerciantes y representantes de los imperios europeos, y más tarde, del naciente imperio norteamericano.

La política de aislamiento durante este período tuvo al menos dos fases: a comienzos del shogunato se expulsaron a los misioneros cristianos y se prohibió esta religión; posteriormente se implementó otra prohibición, “sakoku”, que intentaba aislar al reino y restringía aún más el contacto con los extranjeros. Sin embargo, Japón no pudo resistir la presión de Occidente y terminó aceptando un tratado de apertura de relaciones firmado a la sombra de una “visita” de barcos de guerra estadounidenses, bajo el mando del comodoro Matthew Perry, en 1853.

Más allá de esta historia está la presencia pura y simple del humor, la búsqueda de la risa que aparentemente con unanimidad producen la emisión de gases en todas las sociedades humanas, quizás porque el pedo tiende a arruinar cualquier intento de rigidez social, y los disfraces con los que suele adornarse el poder.

Si te gustó el artículo, te invitamos a leer Tarrare, el rey de la polifagia.

Imágenes: Wikipedia

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Dentro de la pintura

Ahora, 500 años después de su conclusión, el científico francés Pascal Cotte, ha afirmado haber descubierto detalles ocultos dentro de la pintura. Según informa la BBC, esto potencialmente significaría que la famosa mujer pintada no es realmente la Mona Lisa en absoluto.

Cotte, co-fundador de Lumiere Technology, tuvo acceso a la pintura (oficialmente conocida como La Gioconda, la «mujer feliz») con la que utilizó una técnica pionera con la que afirma haber encontrado una segunda mujer detrás del retrato. Ahora pueden analizar exactamente lo que está sucediendo dentro de las capas de la pintura, ya que se puede pelar como una cebolla.

¿Cómo?

La técnica es no-invasiva, lo que significa que no causa ningún daño a la pintura de ninguna manera. La Mona Lisa fue sometida a una serie de intensas luces, y una cámara de gran alcance que recogió las variaciones de la superficie.

Cada capa de pintura añadida a la tela original produjo una pequeña «protuberancia» que se alzó de la superficie. Estas protuberancias se construyen una y otra vez, lo que significa que la pintura final habría ocultado muchas capas anteriores de pintura debajo de la superficie. Cotte dice que este sistema puede detectar capas finas intrincadas debajo de la superficie mediante la medición de los cambios minúsculos.

Conclusiones

Estas reflexiones se han utilizado para reconstruir diversas capas ocultas en la pintura, y las conclusiones de Cotte ya están sacudiendo el mundo de la historia del arte. Antes de que la Mona Lisa fuera pintada encima, se puede ver otro retrato detallado de una mujer diferente. Esto significaría, según Cotte, que esta mujer reconstruida podría ser la Lisa original, y que la mujer definitiva pintada que todos vemos hoy no es la Mona Lisa.

Desde hace seis décadas, la Mona Lisa ha sido objeto de varios exámenes científicos, incluidos los que utilizan luz infrarroja y otras partes del espectro electromagnético. Cotte afirma que su sistema puede penetrar mucho más profundamente en las capas de la pintura que las investigaciones anteriores.

¿Y quién es ella?

Aunque la identidad de la mujer pintada es algo abierto a la interpretación, la mayoría de los historiadores del arte coinciden en que Leonardo pintó a Lisa Gherardini, la esposa de un comerciante de seda de Florencia. Sin embargo, Martin Kemp, profesor emérito de Historia del Arte en la Universidad de Oxford, está convencido de que los datos «ocultos» revelan la verdadera identidad del retratado en la pintura.

El Louvre no se ha pronunciado oficialmente sobre estos nuevos hallazgos, pero el nuevo misterio seguro que sirve para profundizar en la intriga en el famoso retrato, que hoy ya vale 782 millones de dólares.

No te pierdas otros sorprendentes misterios del cuadro de la Mona Lisa en el siguiente artículo. ¡No te lo podrás creer!

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La historia de Elizabeth Siddal es única y especial. Esta mujer de rojos cabellos y rostro virginal fue la musa de todos los pintores de dicha «hermandad» de amantes del detalle y lo simbólico. Una mujer que escribía poesía y que, tras contraer matrimonio con el más peculiar de todos estos artistas, decidió quitarse la vida. Lo que ocurrió después encendió la leyenda que envuelve el interesante lienzo de su vida.

Estamos seguros de que te encantará sumergirte con nosotros en las frías aguas que se llevaron la vida de la Ophelia más famosa de la historia del arte….

Elizabeth Siddal, la modelo de rojos cabellos

Elizabeth Eleanor Siddal nació en  Londres, en 1829. Se dice que su familia descendía de la nobleza, pero dicho árbol familiar no le aportó excesivas comodidades en su infancia. Con veinte años entró a trabajar en una distinguida tienda de sombreros, donde, casualmente, llamó la atención de un pintor. Su apariencia estaba dotada de ese clasicismo exquisito tan valorado por aquellos que se hacían llamar prerrafaelistas. Artistas que rechazaban el arte imperante en la Inglaterra del XIX y que ensalzaban el primitivismo italiano y flamenco anterior a la figura de Rafael.

Elizabeth Siddal representaba esa esencia perfecta y esa belleza única que dotaban a cualquier cuadro la luz y la expresión que aquellos artistas necesitaban. John Everet Millais fue uno de los fundadores del movimiento y uno de los primeros en utilizar a Elizabeth como modelo. Decían de ella que no solo era bella, era una mujer exquisitamente culta que, además, escribía poesía con gran maestría y talento.

Aunque a Millais sus dotes como poetisa le importaban bien poco. Para crear su obra de Ophelia no dudó en meter a la muchaha en una bañera de agua para captar cada detalle y la pintó de aquel modo durante todo el invierno. Tal era su necesidad de captar el «ahogamiento» de la amada de Hamlet, que no pensó en el estado de la joven, que no se quejó en ningún momento hasta que enfermó de pulmonía. El propio padre de Elizabeth terminó denunciando al reputado pintor.

 Dante Gabriel Rosetti y Elizabeth Siddal, un amor trágico

Dante Gabriel Rosetti era un pintor y un poeta de gran talento. Sus pinturas eran auténticas maravillas de lo simbólico y del clasicismo más bello. No tardó demasiado en enamorarse de su modelo, de aquella Elizabeth tan exquisita y carismática a la vez, de esa mujer que formó parte de casi todas sus obras. Sin embargo, el gran Rosetti tenía un defecto: era incapaz de amar a una sola mujer. Eso sí, todas las jóvenes que formaban parte de su alcoba debían cumplir un único requisito: ser pelirrojas.

Se sabe que uno de los grandes amores de Dante Gabriel Rosetti fue Jane Morris. Esta mujer era la esposa de uno de sus mejores amigos y artista: William Morris. Ella fue la modelo de alguno de sus lienzos más famosos, como la «Astarté» o «Pandora», un cuadro que llegó a venderse en Sotheby´s hace unos años por 8 millones de euros.

¿Conocía entonces nuestra Elizabeth las aventuras románticas de su esposo? Por supuesto. Al desánimo se le unía también su delicada salud:  la pulmonía derivó en tuberculosis y algunos estudios hablan también de anorexia. Sea como sea, su verdadero problema era, sin duda, la infidelidad de su esposo. La tragedia llegó cuando dio a luz. Si sus esperanzas se centraban entonces en la felicidad de aquel niño, la desolación la embargó por completo cuando la criatura nació muerta. No pudo con ello. Se suicidó con una dosis letal de clorar, aquello que los médicos le daban para el insomnio.

 Un amor de ultratumba

Dante Gabriel Rosetti, quedó devastado tras la muerte de su esposa. Era consciente de lo que había hecho y cargó toda la responsabilidad sobre sus espaldas. El día del funeral dejó entre las frías manos de Elizabeth toda su obra litetaria con todos los poemas que había escrito. Era un homenaje a ella al más puro estilo de Edgar Allan Poe.

Tras esto, Rosetti se recluyó en una mansión a las afuera de Londres. Rompió con todas sus amantes y se dedicó a pintar. A pintar a su esposa perdida, a amarla en silencio y en su muerte, como debía haber hecho en vida, pero lo asombroso de esta historia ocurrió cuatro años después del funeral. Fue un grupo de amigos de Rosetti quienes, sabiendo el alto precio de la obra poética del artista, pensaron que aquel legado debía rescatarse de algún modo. Todos sus poemas yacían en el interior del ataúd de Elizabeth, entre sus manos, y ellos deseaban recuperarlos.

¿Qué hicieron? Emborrachar a Rosetti, sumirlo en los vapores del láudano y conseguir que firmara una exhumación. Todo fue legal. Los policías acudieron al cementerio y entre todos volvieron a abrir el ataúd. Elizabeth Siddal había perdido su expresión y su belleza como es normal, pero los poemas seguían allí, incorruptos. Rosetti no quiso saber nada y permitió que sus amigos explotaran los derechos de su magna obra a la que titularon con el simbólico nombre de «La Casa de la Vida» (The House of Life), todo un legado de auténtico culto a día de hoy.

Aquello, sumió aún más en la desesperación al pintor y, a pesar de que nunca pudo recuperarse de aquella pérdida, nos legó un tributo pictórico lleno de misterio e insinuación.

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