Miguel Ángel contaba con 57 años cuando conoció al joven Tommaso Cavalieri, de tan solo 17, y no pudo evitar quedar prendado de su belleza y su extraordinario refinamiento. Fue ese el nacimiento de un romance que dio de qué hablar, y que hoy rescatamos e investigamos para contarte. ¿Nos acompañas a conocer la historia del novio de Miguel Ángel y este polémico amor? Pues, ¡Empecemos!

¿Cómo nació la historia de Tommaso Cavalieri y Miguel Ángel?

La historia de Tommaso Cavalieri y Miguel Ángel lo tiene todo. No solo la homosexualidad, polémica por demás en aquellos tiempos. También una diferencia de edad sumamente notoria. Cavalieri fue un noble italiano del siglo XVI que, según muchos historiadores, se  convirtió en uno de los más cercanos y apreciados amigos de Miguel Ángel. Nació en 1509 en Roma y provenía de una familia noble. Aunque se sabe poco sobre su educación y antecedentes, se destacó por su belleza física y su talento en la poesía.

Tommaso Cavalieri y Miguel Ángel se conocieron cuando el artista recibió el encargo del fresco del Juicio Final de la Capilla Sixtina por el Papa Clemente VII (aunque el resto de frescos habían sido un encargo del papa Julio II). Miguel Ángel tenía 57 años y estaba en la plenitud de su carrera artística.

El joven Tommaso se declaraba amante del talento y la obra del pintor. Ambos mantuvieron una relación de 30 años que pasó por diversas fases; comenzaron como amantes y terminaron con una amistad y una fidelidad que se prolongó hasta la muerte del artista. Tommaso fue su mejor amigo, incluso cuando ya estaba casado y con hijos.

A pesar de que muchos defienden la idea de que ambos hombres tuvieron una relación romántica, al menos en los inicios de su vínculo, hay opiniones que contradicen esta teoría. Una de ellas es la de Stephanie Buck, directora de The Courtald Gallery. Al hablar de esto, menciona que «No hay pruebas de nada y resulta muy improbable que el amor entre ambos llegara a consumarse de forma sexual». Una de las razones de peso que argumentan esta idea es el hecho de que para Miguel Angel el arte debía implicar abstinencia sexual. Es más, en una de sus cartas Miguel Ángel le dice a al joven Tommaso: «Mi amor es casto».

¿Qué conservamos de esta relación?

Como verás, existen diferentes opiniones con relación a la naturaleza de la relación que hubo entre Tommaso Cavalieri y Miguel Ángel. Mientras unos defienden que fueron amantes, otros creen que se trató de un amor casto o incluso de una amistad. Lo que sí es cierto es que ambos hombres estuvieron unidos durante la mayor parte de su vida, y ello lo podemos comprobar con algunas acciones en concreto.

En primer lugar, se registran un conjunto de dibujos que Miguel Ángel realizó expresamente para Tommaso como el más preciado de los regalos. Entre todos destaca el dibujo «El sueño», por la fuerza que desprende a través de sus líneas. También se guardan como documentos reflejo de la historia, diferentes cartas, poemas y sonetos que el artista enviaba al joven. Gracias a estos escritos descubrimos que Miguel Ángel era también un magnífico escritor, demostrando que prácticamente ninguna disciplina se le escapaba a este genio. De hecho, sus poemas, dicen, inspirarían al mismísimo William Shakespeare.

Algunas de las dedicatorias entre Tommaso Cavalieri y Miguel Ángel

Aunque no haya comprobación del amantazgo entre Tommaso Cavalieri y Miguel Ángel, si hay documentos que develan, al menos, una profunda pasión de corte platónico. Un romance sutil y cargado de emociones, que se dejaba ver en las cartas que se compartían. A continuación te ofrecemos algunos retazos que dan buena muestra de ello.

En una de las cartas de Miguel Ángel podemos leer este fragmento: «Si añoro día y noche sin intermisión estar en Roma, es meramente para volver a la vida, algo imposible sin el alma. Mi corazón está por primera vez en las manos de aquel a quien he confiado mi alma».

Tommaso Cavalieri no demeritaba en sus expresiones de amor. En una de las cartas enviadas al artista, podemos leer este fragmento: «Juro retornarle su amor. Jamás he amado a un hombre más de lo que lo amo, y jamás he deseado una amistad más de la que deseo la suya».

Otros romances polémicos de Miguel Ángel

La relación entre Tommaso Cavalieri y Miguel Ángel es quizá de las más difundidas sobre la vida personal del artista. Sin embargo, y aunque no haya pruebas sobre ninguna de ellas, también se le atribuyeron otras relaciones con jóvenes. Se le vinculó, por ejemplo, con Cecchino dei Bracci, otro joven noble que se convirtió en aprendiz de Miguel Ángel a una edad temprana. Algunos teóricos han planteado la posibilidad de que existiera una relación romántica o erótica entre ellos debido a la intensidad de la conexión entre maestro y aprendiz.

También se ha sugerido que Miguel Ángel tuvo una relación amorosa con Febo di Poggio, un joven poeta. Algunos estudiosos basan esta especulación en una de las cartas de Miguel Ángel, en la que menciona a Febo como su «amor supremo». Es importante destacar que todas estas teorías se basan en suposiciones e interpretaciones subjetivas, ya que no hay pruebas contundentes que respalden los rumores sobre los romances de Miguel Ángel. La sexualidad y las relaciones íntimas de los artistas del Renacimiento a menudo están envueltas en misterio y no se pueden afirmar con certeza.

Y tú, ¿Conocías la supuesta historia romántica entre Tommaso Cavalieri y Miguel Ángel? ¿Qué opinas al respecto? ¿Crees que fueron amantes, o quizá tan solo compartieron un amor platónico? Déjanos todas tus opiniones en un comentario. ¡Estaremos encantados de leerte!

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Historia de la Capilla Sixtina

La Capilla Sixtina, una de las joyas artísticas más célebres del mundo, fue encargada por el Papa Sixto IV en el siglo XV. Su construcción se llevó a cabo entre los años 1473 y 1481, bajo la dirección del arquitecto Baccio Pontelli. Sin embargo, fue el genio renacentista Miguel Ángel quien dejó una huella imborrable en esta obra maestra.

En 1508, el Papa Julio II le encargó a Miguel Ángel la tarea de pintar el techo de la capilla. Durante los siguientes cuatro años, el artista trabajó incansablemente, creando una serie de frescos que representan episodios bíblicos, desde la Creación hasta el Diluvio. El punto culminante de esta obra es el icónico fresco del «Juicio Final», que adorna el altar de la capilla y fue completado por Miguel Ángel en 1541.

Hoy en día, la Capilla Sixtina sigue siendo un tesoro inigualable, un lugar donde la historia y el arte se entrelazan de manera sublime. Su magnífico techo, las pinturas de Miguel Ángel y su ambiente sagrado hacen de esta capilla un destino imperdible para aquellos que buscan deleitarse con la grandeza del talento humano y la espiritualidad.

Si quieres indagar un poco más, no te pierdas este artículo sobre la historia de la Capilla Sixtina. Estamos seguros de que te encantará y será el completo perfecto para estas curiosidades.

10 curiosidades de la Capilla Sixtina

1. Miguel Ángel tardó 4 años en finalizar su obra

El 31 de octubre de 1512 Miguel Ángel terminó la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, un trabajo que le llevó 4 duros años de su vida en un andamio y con el cuello permanentemente mirando hacia el techo y pintando. Uno de los datos curiosos de la Capilla Sixtina es que Miguel Ángel jamás había pintado frescos.

Miguel Ángel vio resentida su salud tras la realización de las pinturas. En efecto, empezó con 33 años y cuando término tenía un reumatismo incipiente, vértigos y problemas en los tendones del cuello, problemas respiratorios, escoliosis, piedras en el riñón y retención de líquidos. Hoy, gracias a su empeño y genialidad, podemos admirar una de las obras maestras de toda la historia del Arte.

2. Il Braghettone

En 1564, durante el Concilio de Trento, se ordenó que se cubrieran los desnudos «más destacados» del fresco del Juicio Final. Para ello, el Papa Pío V encargó al artista Daniele da Volterra la tarea de cubrirlos, lo que le valió el apodo de «Il Braghettone» (el pintor de calzones). Es una de las curiosidades de la Capilla Sixtina más polémicas.

3. El enigma femenino

Una de las curiosidades de la Capilla Sixtina más intrigantes es la presencia de una figura femenina enigmática dentro de la composición del «Juicio Final», obra maestra finalizada por Miguel Ángel en 1541.

Este detalle ha generado intensos debates y especulaciones a lo largo de los siglos, despertando la curiosidad de aquellos que se aventuran a descubrir los secretos ocultos en las pinceladas del genio artístico.

4. La exigencia del trabajo

En el desafiante proceso de pintar el techo de la capilla, Miguel Ángel tuvo que superar obstáculos físicos considerables. Para lograrlo, se utilizaron andamios especiales que se colgaban desde el techo, permitiéndole trabajar en posiciones incómodas y prolongadas. Esta proeza técnica y artística añade un nivel aún mayor de admiración hacia la obra maestra que se alza sobre los visitantes.

Para ello, diseñó todo un sistema de andamiaje para la decoración de la bóveda, que no impidiera el acceso al recinto. Una especie de puente de madera con telas colocadas por debajo y a los lados del andamio para que no cayeran gotas de pintura o yeso por ningún lado.

5. Un Dios nuevo y revolucionario

En aquellos tiempos, la figura de Dios no estaba muy clara. No fue hasta la llegada de Miguel Ángel con sus frescos que se empezó a popularizar una imagen diferente a la que se tenía en la época, donde en la mayoría de las pinturas, Dios era representado por una mano que apuntaba hacia abajo rodeada de nubes.

Por su parte, la representación de Miguel Ángel fue una figura más musculosa, similar a la del dios griego Zeus o el Júpiter Romano.

6. Colores reavivados

En la década de 1980, se realizó una exhaustiva restauración en la Capilla Sixtina para recuperar los colores originales que habían sido oscurecidos por siglos de humo de velas y polvo. Así, sus frescos reafirmaron ser de las pinturas más hermosas del mundo.

7. La relación entre el Papa Julio II y Miguel Ángel

Al Papa Julio II le costó trabajo convencer a Miguel Ángel y es que este estaba enfadado con él. ¿Por qué? Al parecer, el artista se había pasado 3 años en las canteras de Carrara buscando el mejor mármol para el proyecto de mausoleo del Papa y cuando llegó a Roma le dijeron que no seguían con el proyecto, sin más explicaciones.

Un año y 3 cartas fueron lo que le costó a Julio II convencer a Miguel Ángel. Seguramente este pensaría «Él es Papa, pero yo soy artista». Este gesto es uno de los primeros que transforman el papel del artista en la sociedad. Ahora el artista es un hombre libre, con pleno derecho a tomar decisiones propias.

A pesar de esto, una de las curiosidades de Roma es que el Papa Julio II fue uno de los encargados de devolverle la gloria a la ciudad.

8. Simbología en las pinturas

Uno de los secretos de la Capilla Sixtina tiene que ver con las leyendas sobre la simbología oculta en las imponentes pinturas. Una de las teorías más sonadas es el San Bartolomé de El Juicio Final, ubicado a la derecha de los pies de Cristo. Este muestra en sus manos la herramienta con la que fue despellejado y su piel arrancada. Las historias cuentan que, en realidad, es el autorretrato de Miguel Ángel, lo que representaría la tortura que sufrió el artista en la obra.

9. Escenas bíblicas

Una de las curiosidades de la Capilla Sixtina es que no solamente se puede apreciar la famosa mano de Dios tocando la mano del hombre. También, en el techo se representan diversas escenas bíblicas, desde la creación de Adán hasta el Diluvio Universal.

10. Basada en el Templo de Salomón

Uno de los datos curiosos de la Capilla Sixtina es que sus dimensiones no fueron elegidas al azar. Posee una forma rectangular que mide específicamente 40,93 metros de largo por 13,41 metros de ancho, las mismas medidas que se cree que tenía el Templo de Salomón según el Antiguo Testamento. Sin duda, una de las mejores curiosidades del Vaticano es albergar esta magnífica obra de arte.

La Capilla Sixtina, con su historia, belleza y curiosidades cautivadoras, continúa fascinando a millones de personas en todo el mundo. ¿Has tenido la oportunidad de visitar este tesoro artístico? ¡Comparte tus opiniones y experiencias con nosotros en los comentarios! Nos encantaría conocer tus impresiones y sumergirnos juntos en más curiosidades de la Capilla Sixtina.

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Sofonisba Anguissola

La pintora renacentista Sofonista Anguissola nació en Cremona en 1535 en el seno de una familia de la pequeña nobleza. Sus padres fueron Amilcare Anguissola y Bianca Ponzone. Sofonisba, poseedora de gran inteligencia y creatividad, fue celebrada por artistas masculinos de la talla de Vassari, Vand Dyck e incluso de Miguel Angel. Otros, como Caravaggio o Rubens imitaron sus retratos y, sin embargo, a su muerte no fue recordada y sus obras se atribuyeron a otros pintores de la época como Zurbarán, El Greco o Sánchez Coello entre otros. Como pintora de la corte de Felipe II, muchas de sus obras no estaban firmadas y quizá por ello cayó en el olvido y su gran calidad artística hizo que se adjudicasen a otros.

Entre otros méritos, se considera que fue una innovadora en el retrato femenino, también sirvió como enlace entre el retrato que se hacía en el renacimiento en Italia y el español y especialmente fue un precedente para que otras mujeres pudieran ejercer como pintoras en varias cortes europeas. Es la única mujer que tiene obra expuesta en el Museo del Prado de manera permanente. Podrás ver 3 de sus cuadros en la Sala 55.

10 curiosidades sobre Sofonisba Anguissola

1. El nombre de Sofonisba se lo pusieron sus padres en recuerdo de la hija del general cartaginés Asdrúbal Giscón. Ésta fue una bellísima y valiente mujer que intervino activamente en varios episodios de las Guerras Púnicas suicidándose en última instancia antes que desfilar en Roma como prisionera. La familia Anguissola había estado relacionada en el pasado remoto con Cartago.

2. Sofonisba Anguissola fue la mayor de 7 hermanos, 6 de los cuales eran chicas. Se llamaban Sofonisba,  Elena, Lucia, Europa, Minerva y Ana María; cuatro de ellas fueron también pintoras. El único hermano varón se llamaba Asdrúbale. El padre insistió mucho en que sus hijas se cultivasen y entre las enseñanzas que recibieron incluyó las Bellas Artes.

3. El primer precedente que estableció Sofonisba Anguissola está relacionado con los estudios de arte que impulsó su padre. A los 14 años, ella y su hermana Helena fueron enviadas a estudiar con un artista local llamado Bernardino Campi, y más tarde prosiguieron sus estudios en el taller de Bernardino Gatti. Fueron las primeras mujeres que estudiaron pintura fuera de sus hogares y a partir de este hecho, otras jóvenes pudieron hacer lo mismo y se las aceptó como estudiantes de arte.

4. El padre de Sofonisba había enviado a Miguel Angel diversos dibujos de su hija y cuando esta viajó a Roma, en 1554, fue a visitarlo. Miguel Angel, que había detectado el gran talento de la joven, le propuso que hiciera un dibujo en el que se viera un niño llorando. Sofonisba dibujó el «Niño mordido por un cangrejo» y reconociendo su valía, durante dos años la estuvo instruyendo de manera informal.

5. Como muchas otras pintoras tras ella, su carrera no fue fácil debido a las restricciones que les imponían la moral y costumbres de la época. Como ya comentamos en el post de Clara Peeters, a las mujeres les estaba vedado el estudio de la anatomía e incluso el dibujo del cuerpo humano con modelo natural.

6. A pesar de las limitaciones, Sofonisba Anguissola se las arregló para crear un nuevo estilo de retrato y autorretrato que resaltan por su estilo informal. En muchas ocasiones su extensa familia fueron los modelos.

7. Cuando Isabel de Valois se casó con Felipe II de España, Sofonisba llegó a la corte en calidad de maestra, dama de compañía y pintora, recomendada por el Duque de Alba. Tenía en ese momento 24 años. En la corte trabajó con otros afamados pintores y desarrolló una gran labor como pintora. Estuvo en ella más de 15 años. Muchos de sus retratos se perdieron cuando, en 1734, se incendió el Real Alcázar de Madrid.

8. Durante años la obra titulada «La Dama del Armiño»  había sido atribuida al Greco. Algunos críticos afirmaban incluso que era su mejor obra. Hace unos años dos historiadoras del arte (Carmen Bernis y María Kusche), por separado, atribuyeron la autoría de «La Dama del Armiño» a Sofonisba Anguissola.

9. A la muerte de la reina Isabel de Valois, Sofonisba Anguissola permaneció en la corte contribuyendo a la educación de las dos infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela. El agradecimiento del rey era grande y como permanecía soltera le arregló un matrimonio con un noble: Francisco de Moncada, hijo del príncipe de Paterno, virrey de Sicilia. Se trasladaron a vivir a Sicilia, donde ella siguió pintando. El marido fallecería en el mar, unos años después, al parecer en un ataque pirata. Viuda ya, viajó a Cremona en un barco en el que conoció al que sería su segundo marido, el capitán Orazio Lomellino, mucho más joven que ella, con el que se estableció en Génova y que la adoró hasta el momento de su muerte, acaecida cuando contaba 93 años. No tuvo hijos.

10. La influencia de Sofonisba Anguissola fue muy grande no solo como precedente para otras mujeres pintoras, sino que reunió a su alrededor a importantes artistas, entre ellos Van Dick, que se desplazaron a visitarla incluso cuando ya no pudo pintar más afectada por cataratas.  El retrato de «Isabel de Valois con marta cibelina» de Juan Pantoja de la Cruz es al parecer una copia del que realizó a la reina Sofonisba Anguissola. «Isabel de Valois con Marta Cibelina» fue reproducido por numerosos artistas a lo largo de los siglos y se lo considera el cuadro más copiado de España.

¿Conocías a Sofonisba Anguissola? ¿Sabías que en su época había sido tan conocida y famosa? Si quieres conocer a otras mujeres pintoras, te invitamos a leer el post: 5 brillantes mujeres artistas olvidadas por la historia

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Miguel Ángel, el angelito milagroso

La muerte de este angelito milagroso fue muy trágica. El pequeño Miguel Ángel Gaitán, que tanta adoración ha recibido en Villa Unión, Argentina, pereció a pocos meses de su primer cumpleaños a causa de una meningitis, en 1967.

Miguelito tuvo un entierro tradicional en un cementerio de la zona. Lo ‘extraño’ comenzó a ocurrir siete años después de su muerte, en el lugar donde reposaban sus restos. Una fuerte tempestad, en 1973, provocó que la tumba del chiquillo quedara completamente expuesta. Desde entonces, el sepulcro del niño fue reconstruido en más de cuatro ocasiones, pues, cada amanecer, los ladrillos aparecían distribuidos por todo el lugar, quedando el féretro nuevamente descubierto.

«Colocamos piedras y objetos pesados sobre la tapa, pero cada mañana la encontrábamos removida,» afirmó la madre del infante.

Esta historia comenzó a esparcirse como pólvora, y los habitantes de Villa Unión se encargaron de buscarle explicaciones divinas a los rarísimos hechos relacionados al ataúd del niño, cuyos restos se conservaban visiblemente intactos. En cambio los trabajadores del cementerio prefirieron culpar a las lluvias o a los fuertes vientos que azotaban el sitio, como causantes de los raros acontecimientos.

El niño que no quería ser sepultado

Tras varios intentos fallidos de proteger el ataúd de Miguelito, la madre del angelito milagroso creyó que probablemente estos incidentes eran reclamos de su difunto hijo para que fuese liberado de la fosa. «Finalmente decidimos que Miguel no quería ser cubierto, quería ser visto,» afirmaba la Sra. Gaitán, que con la ayuda de sus vecinos y familiares movió el ataúd al exterior y lo sustituyó por uno sin cubierta.

Poco después de esto, la leyenda del angelito milagroso tomó más y más fuerza. La gente se presentaba ante él para acariciarle la frente y rogarle que les concediera favores.

Así, Miguelito se fue convirtiendo en una atracción de Villa Unión y las historias sobre  ‘milagros’ empezaron a reproducirse. Entre los casos más populares figura el testimonio de Daniel Saavedra, quien fue a visitar al angelito milagroso cuando cayó enfermo por una extraña enfermedad pancreática. Saavedra aseguraba que, a pocas semanas de su visita al panteón, se recuperó por completo.

Por otra parte, los locales advierten que la leyenda de Miguelito no es siempre sobre ‘milagros’, pues se dice que aquellos que osan de burlarse de él, pueden llegar a sufrir grandes pesares… a veces incluso fatales. Para apoyar esta versión, los habitantes de esta villa de La Rioja, la pequeña provincia argentina donde se encuentra Miguelito, recuerdan la historia de unos jóvenes que asistieron a la tumba de Miguel Ángel para hacer bromas sobre el estado de su cuerpo.

“Cuando quisieron poner el auto en marcha, el mismo no arrancaba. Tras varios intentos finalmente lograron que el motor encendiera; pero en el camino tuvieron un accidente y fallecieron. A Miguel Ángel hay que tratarlo con respeto y cumplirle las promesas; de lo contrario se enoja mucho,” contó un habitante de la Villa.

Para bien o para mal, el niño se volvió tan popular entre los locales que construyeron un panteón en su honor. Actualmente este panteón está lleno de flores, juguetes, fotos y otros obsequios que han sido ofrendados por millones de visitantes en muestra de devoción y respeto al angelito milagroso.

Doña Argentina, la madre de Miguelito, quien se dedicó a cambiarle la ropita al bebé milagroso con devoción, día a día, falleció recientemente a causa de un paro cardiorrespiratorio. Pero la tumba de este ‘dador de milagros’ todavía se mantiene gracias a la hermana del niño, Cristina Gaitán, y a sus más fieles creyentes.

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El cerebro oculto en la representación de Dios de Miguel Ángel

Miguel Angel Buonarroti es probablemente una de las figuras renacentistas más populares de nuestra historia, un hombre realmente extraordinario, fue un arquitecto, escultor y pintor, un artista completo. Además de esto, también fue un devoto amante de la anatomía humana, llegó a ser conocido por diseccionar cientos de cadáveres a lo largo de su vida, con el fin de estudiarlos. Es por eso que es tan increíblemente extraño mirar en uno de sus paneles de la Capilla Sixtina su rara representación del ‘cuello de Dios’.

En la pintura se ve una representación de Dios desde abajo, este se encuentra mirando hacia arriba, lo que expone su cuello y barba de manera incómoda, a simple vista cualquiera diría que algo no termina de estar «bien». Y es que la forma en que la luz y las sombras caen sobre el cuello no concuerda con la ilustración –algo que no es normal en las obras del artista- lo cual llevó a dos investigadores, un neurocirujano y un ilustrador médico a tratar de entender el asunto.

Por medio de recursos y análisis digitales, compararon las sombras que se muestran en el cuello de Dios con modelos de diferentes secciones del cerebro y ¡en efecto! Eran una pareja casi perfecta.

Y es que esta no es la primera vez que Buonarroti ‘ocultaba’ referencias al cerebro humano, pues en el pasado un ginecólogo llamado Frank Lynn Meshberger, también encontró una pista en La Creación de Adán, esta vez está en el velo detrás de Dios, el cual tiene la silueta exacta de un cerebro. Obra que también es parte de ‘La Separación de la Luz y las Tinieblas’ en la Capilla Sixtina.

Es entonces claro que el artista tenía un motivo definido relacionado con el cerebro –el órgano humano más eminente– y la divinidad. Y por consiguiente, la relación entre esos dos, lo cual nos lleva casi directamente a la Biblia, y a como ahí Dios quería que el humano fuera su representante en la tierra, haciendo del hombre un ser inminentemente espiritual, capaz de conectarse con la divinidad de manera intima.

Una particularidad que hace al hombre totalmente diferente del resto de la creación, hecho que definitivamente impactó a Miguel Ángel de manera profunda, pues el ‘arte bíblico’ comprende la mayoría de sus obras. ¿Quién sabe qué más secretos dentro de su colección, además del descubierto en su representación de Dios, espera por ser descubierto?

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Imágenes: wikipedia, 20minutos.

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Miguel Ángel y la falsificación que le hizo triunfar en Roma

Cuando Miguel Ángel tenía 20 años, vivía en Florencia y estaba deseoso de dejar la ciudad y abrirse paso en otros lugares. Estaba bajo la protección de la familia Médici y en concreto de un pariente menor de la familia, Lorenzo di Pierfrancesco. Éste, vio una estatua esculpida por Miguel Ángel que representaba un cupido durmiente y quedó tan asombrado ante sus perfectas proporciones que le dijo que parecía una obra clásica. Le sugirió que la enterrase un tiempo, le diese un tratamiento para que pareciera vieja y la vendiese como una antigüedad.

Miguel Ángel así lo hizo, y la mandó a Roma con un marchante que la vendió al cardenal Rafael Sansoni Riario diciendo que se trataba de un hallazgo arqueológico. En esa época las antigüedades se vendían muchísimo mejor que las obras de artistas contemporáneos. Tiempo después el Cardenal descubrió que la obra en cuestión era una falsificación, pero, pasado su enfado inicial, apreció la perfección de la escultura y mandó llamar a Roma al artista. Miguel Ángel se personó en Roma y sus habilidades fueron pronto reconocidas en todas las esferas y sus obras empezaron a tener gran demanda.

Miguel Ángel retrató al cardenal Rafael Sansoni Riario en un fresco que podemos ver, si visitamos los Museos Vaticanos, en la Sala Heliodoro, llamado «La misa de Bolsena».

El Cupido pasó por varias manos, vendido como una antigüedad, a pesar de que la historia de la falsificación era comunmente conocida. Finalmente llegó a manos de César Borgia que se lo regaló a Isabel de Este y pasó a formar parte de las colecciones de la casa Gonzaga de Mantua, que fueron compradas y llevadas a Londres en el siglo XVII por Carlos I de Inglaterra en 1632. Se cree que fue destruido en el gran incendio del Palacio de Whitehall, en Londres, ocurrido en 1698.

La historia fue relatada por un amigo del artista llamado Ascanio Condivi. Al parecer, no es la única obra que Miguel Ángel falsificó con el pretexto de ayudar a la conservación de los originales. Durante un tiempo algunos historiadores del arte sospecharon que la obra «Laocoonte» pudiera ser una falsificación atribuible a Miguel Ángel. Esta obra fue descubierta en 1506 cuando el artista trabajaba en la tumba del Papa Julio II. Fueron el propio Miguel Ángel y el arquitecto Guiuliano de Sangallo quienes identificaron la obra que se creía perdida y que había sido descrita por Plinio el Viejo.

Como podéis ver, incluso los artistas más reputados pueden tener comienzos oscuros. ¿Qué te ha parecido la historia de Miguel Ángel y las falsificaciones? Si te gustan los post sobre arte, quizá quieras leer:

–La Batalla de Anghiari, la pintura perdida de Leonardo

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Los dibujos SECRETOS de Miguel Ángel en un lugar inesperado

La noticia nos sorprende gratamente a todos los amantes del arte, pues aunque se tenía constancia de la existencia de estos trabajos secretos desde el año 1976, cuando el director del Museo de la Capilla de los Médici los encontró durante unos trabajos de mantenimiento, no habían sido expuestos de manera permanente al público. ¿El motivo? Se encontraban muy deteriorados debido a las condiciones ambientales del lugar que los aloja, una especie de cripta o bóveda subterránea situada bajo la Iglesia de San Lorenzo en Florencia.

Es justamente bajo el imponente Mausoleo de los Medici donde el artista nos dejó esta última sorpresa, pero ¿por qué la escondió? Lo cierto es que Miguel Ángel no pretendía esconder su obra sino su persona, a pesar de que los Medici fueran sus mecenas, durante su etapa en florentina no gozaban de su apoyo en temas políticos ya que el artista tomó parte activa en la resistencia durante el Asedio de Florencia de 1529. Lo que le llevó a tener que «huir» de un modo totalmente inverosímil, ya que no salió de la ciudad, sino que se recluyó en los sótanos de la Sacristía de la Basílica de San Lorenzo. El artista escribió:

«Me escondo en una pequeña celda, enterrada como los Medici muertos sobre mí, aunque me escondo de uno vivo. Para olvidar mis miedos, lleno las paredes de dibujos.»

La sala secreta, que dio cobijo al genio durante tres meses, es una especie de túnel subterráneo de dos metros por siete donde el artista plasmó de algún modo sus inquietudes y recuerdos del momento, tomando por lienzo las paredes de su «prisión». En ellas podemos contemplar una serie de dibujos en carboncillo donde podemos apreciar una Cabeza de Laoconte, otra de un caballo, estudios sobre las estatuas de la sacristía e incluso revisiones sobre su emblemática obra El David.

Aunque la galería secreta de Miguel Ángel sólo está abierta al público en contadas ocasiones, ahora gracias a las nuevas tecnologías es posible acceder a esta sala a través de unas pantallas virtuales situadas en tres puntos estratégicos del recorrido de las obras del artista en la ciudad, uno lo tienes en la misma Sacristía de San Lorenzo.

Una especie de ventana por la que poder contemplar el trabajo secreto de Miguel Ángel. Así que ya tienes un motivo más por el que visitar la capital de la Toscana o por el volver.

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La curiosa anécdota de Miguel Ángel y la nariz de su David

Michelangelo Buonarroti nació en Caprese (Italia) en marzo de 1475, hombre renacentista y uno de los más insignes artistas de la historia, trabajó principalmente en Florencia y Roma hasta su muerte en 1564.

En 1501, los dirigentes de la Opera del Duomo, que era una institución laica formada por prohombres florentinos, encargada de conservar y administrar los bienes artísticos de la Iglesia en Florencia, decidieron colocar en los contrafuertes del ábside del Duomo unas esculturas representando personajes del Antiguo Testamento.

Buscaron a varios artistas para que las esculpiesen y en especial querían encontrar a alguien que se atreviese con un trozo de mármol conocido como «el gigante». La piedra había sido extraído de una cantera en Carrara y hacía 25 años que diferentes artistas intentaban hacer algo con esa inmensa piedra sin conseguir nada. Los hombres de la Ópera del Duomo encargaron finalmente a Miguel Ángel esculpir en el mármol un «David». Se dice que el propio Leonardo había rechazado esculpir ese «gigante» y que Miguel Ángel insistió en hacerlo ya que todavía no había realizado una gran obra escultórica en Florencia.

Durante 2 años Buonarroti trabajó en su David y el resultado fue tan fantástico que el confaloniero de justicia, Piero Soderini, decidió que quedaría mucho mejor en la Piazza  della Signoria, pasando a ser considerada desde entonces una escultura de carácter civil y no religioso. El propio Miguel Ángel fue el que decidió colocarla ante el Palazzo Vecchio, a pesar de que de esta manera quedaba expuesta a las inclemencias del tiempo.

Antes de ser colocada en el emplazamiento, elegido el confaloniero Soderini le dijo a Miguel Ángel que la escultura era fantástica pero que encontraba que el «David» tenía la nariz excesivamente grande y que tenía que arreglársela. Miguel Ángel, convencido de que el problema no era la nariz, sino el ángulo desde el que la observaba el confaloniero, no quiso discutir con él. Cogió la escalera y subió hasta la cabeza del David con un cincel. Lo que no vio Soderini es que se había llenado la mano de polvo de mármol. Como la estatua mide 5’17 m. y era difícil que desde abajo se observase nada, Miguel Ángel hizo ver que picaba corrigiendo el apéndice, soltó el polvo y bajó. Hizo que el confaloniero cambiase de lugar y éste quedo completamente satisfecho con el arreglo. De esta manera, el artista no tuvo que modificar su obra maestra.

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Imágenes: Rico Heil (User:Silmaril),  Jörg Bittner Unna, Retrato de Miguel Ángel. Daniele da Volterra, h. 1544.

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El infierno, ¿qué sabemos sobre él?

Vamos a centrarnos en lo que el Nuevo Testamento de las Biblias cristianas nos dice. Hay que tener en cuenta que la palabra «infierno» proviene del latín «infernum» y no es la palabra original, pero sea en arameo, hebreo o en griego clásico, aunque la palabra sería diferente, el concepto es el mismo. El que más habla del infierno es Mateo*, aunque Marcos** y Lucas*** lo mencionan también. Hay varias citas, pero en ellas sólo queda claro que es un lugar de sufrimiento al que te arrojan, no vas voluntariamente, que tiene fuego, que es un fuego que no puede ser apagado, que es un horno y que allí será el llanto y el crujir de dientes. Por último en el Apocalipsis se nos habla de un lago de fuego y azufre (Apocalipsis 20:10)

Poco más podemos encontrar en el Nuevo Testamento, por eso no es de extrañar que la Iglesia Católica haya rectificado lo que se propuso en 1215 en el concilio de Letrán y en el de Florencia (siglo XV) y  nos diga que el infierno es la separación de Dios (que no tiene porqué ser eterna) y no un lugar concreto.

Entonces, ¿por qué tenemos unas imágenes del infierno tan claras? ¿A qué se debe? Parece que uno de los principales culpables es Dante. El genial escritor italiano basó su obra especialmente en mitos griegos y romanos. Durante la Edad Media en occidente se desarrolló la imaginería infernal hasta formar lo que durante siglos se pensó que era el infierno. Suponemos que en él habita el demonio pero, en el Nuevo Testamento, en ningún momento se menciona que sea la morada de satanás. Pedro (II Pedro, 2:4) nos dice que allí fueron arrojados los ángeles pecadores en espera de juicio. Pero no aporta más datos.

Para Dante el infierno está compuesto de círculos concéntricos que se van estrechando hacia el centro de la tierra. Allí encontraremos al diablo. Los castigos se corresponden con las faltas cometidas y son de lo más variopinto: A los que sembraron la discordia se les corta en pedacitos, a los suicidas se les convierte en árboles, a los herejes les destina tumbas de fuego… El pintor Hieronymus Bosch también creía en los castigos del infierno. Aquí os dejamos un fragmento  de su obra «El Jardín de las delicias» que en su parte derecha representa el infierno. ¡Sumamente inquietante!

Incluso Miguel Angel, en la Capilla Sixtina, representa a personas siendo estiradas hacia el infierno. Tanto él como Dante incluyen en sus infiernos criaturas o personajes mitológicos como arpías, centauros e incluso a  Caronte, el barquero del inframundo.

Como podéis ver, del infierno poco o nada se sabe, la mayoría de lo que se cree bebe en mitos clásicos griegos o romanos o en la fértil imaginación del medievo.

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Citas del Nuevo Testamento que hablan del infierno: *Mateo 5:22, 5:29-30, 10:28, 13: 42, 18:9, 23:15, 23:33 **Marcos 9:43, 9:45, 9:47 ***Lucas 12:5

Imágenes: The Last Judgement, Hell, sobre 1431 de Fra Angelico, Mapa del infierno de Botticelli (fragmento), El jardín de las delicias de Hieronymus Bosch (fragmento)

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El San Juanito de Miguel Ángel

San Juan Bautista niño o San Juanito es la única escultura del artista que se encontraba en España, concretamente en el retablo de la capilla del Salvador de Úbeda (Jaén) de Berruguete. Esculpido en mármol y con una altura de 130 centímetros, era una imagen con mucho encanto. Diferente a las grandes esculturas de Miguel Ángel a las que todos estamos acostumbrados enfundadas en su inconfundible Terribilitá. Fue realizada por un joven Miguel Ángel de tan sólo 20 años, en 1495.

Desgraciadamente, el 26 de julio de 1936 las bombas de la Guerra Civil española convirtieron a esta entrañable escultura en tan sólo un puñado de escombros.

La restauración del San Juanito

Después de 80 años de aquel terrible suceso se ha vuelto a recuperar la obra gracias a diferentes y novedosas técnicas de restauración.

La restauración ha durado más de 20 años y a partir de tan sólo 14 trozos, la cabeza, el torso, el pedestal y fragmentos de brazos, un 40% de la obra y el láser, el nailon y la fibra se ha recuperado la obra. Gracias a la marquesa de Bona de Frescobaldi y al profesor Giorgio Bonsanti, la Fundación Casa Ducal de Medinaceli, propietaria de la obra, envió los fragmentos en 1994 al prestigioso Opificio delle Pietre Dure de Florencia, que ha llevado a cabo un exhaustivo estudio de la obra para devolverle todo su esplendor.

¿Cómo se ha llevado a cabo la restauración?

• 17 fotografías antiguas del San Juanito han ayudado bastante.
• Con láser se limpió la superficie negra de la cabeza
• Se reconstruyó virtualmente mediante escáner en 3D la escultura gracias a las fotografías.
• Las piezas perdidas se hicieron con nailon y fibra de vidrio. Luego fueron estucadas, entonadas con témpera y selladas con cera y barniz.
• Las piezas originales se unieron a las nuevas con grandes imanes en torno a una estructura interior de acero inoxidable.

El 24 y el 25 de junio del 2013 se presentaron los trabajos en un Congreso Internacional «Il San  Giovannino di Ubeda restituito» en Florencia.

Esta pieza estará hasta junio en el Museo del Prado para todos aquellos que quieran contemplarla. Después volverá a su casa original, Úbeda, donde una parte de la Capilla del San salvador se habilitará como Museo, a la izquierda del retablo del altar mayor, su ubicación original.

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