¿Quiénes eran los Castrati?

Desde principios del siglo XVII, cuando comenzó la ópera, hasta finales del siglo XVIII, los Castrati eran hombres que habían sido castrados antes de su pubertad para preservar las voces agudas que tienen de niños. Ellos desempeñaron un papel fundamental en el mundo de la ópera, ya que para esas épocas las mujeres tenían prohibido hacer parte de los coros, por tanto, se requería de un reemplazo para la voz femenina.

Mucho antes del auge de la ópera italiana, e incluso hasta hoy en día, los hombres han sido castrados por una gran variedad de razones, de las cuales, solo muy pocas han tenido un fundamento médico. Históricamente, los eunucos eran castrados para servir de guardianes en los harenes de Asia o como sirvientas de confianza de los gobernantes, es el caso de Marco Antonio y Cleopatra.

A su vez, los hombres han sido castrados como castigo a lo largo de los siglos, en el Antiguo Egipto, por ejemplo, aquellos hombres que cometían adulterio eran castigados con la castración. Incluso en 1945 en Rusia, alguno jóvenes pertenecientes a la secta religiosa Skoptsi, practicaban la emasculación para frenar los deseos sexuales.

Sin embargo, sólo en Italia se realizaban castraciones a niños de entre 10 y 12 años con fines artísticos o musicales…Esta práctica tuvo su primera aparición en Italia, en el siglo XVI. En principio, los Castrati se dedicaban a cantar en coros, cortes y en la Capilla Sixtina, pero posteriormente abarcaron otros escenarios que los catapultaron como figuras imprescindibles en cualquier representación musical.

La voz de los Castrati incluía todo tipo de fioriture (ornamentaciones florales), arpegios, roudales, cadenzas y trinos, su técnica vocal era conocida como bel canto que literalmente se traduce como «bello canto». Los Castrati eran conocidos por cantar en las óperas líricas de Rossini, Bellini y Donizetti. Así pues, los amantes de la ópera italiana deben reconocer una enorme deuda con los castrati y con su brillantez bocal y lirica.

Una operación sumamente dolorosa

Entre los 1720 y 1730, los Castrati alcanzaron la cumbre de la fama, lo cual motivó a que familias de clase humilde obligaran a sus hijos a someterse a la castración testicular con la esperanza de ser rescatados de la pobreza. Se calcula que más de 4000 jovencitos, de entre siete y nueve años, fueron sometidos a la castración, y a pesar de que el procedimiento era de alta peligrosidad, esto no detuvo a sus padres. De hecho, cientos de ellos murieron mientras les realizaban la castración.

Al ser esta práctica de muy vieja data, es difícil recrear en qué condiciones estos niños eran despojados de sus órganos viriles; no obstante, algunos historiadores sugieren que los barberos de la aldea solían llevar a cabo estas cirugías. No había más que opio para que los jovencitos pudieran tolerar al menos un poco el insoportable dolor, mucho más intenso en los pocos casos en los que los testículos eran desprendidos por completo.

Médicamente, los Castrati sufrían de las diversas anomalías causadas por el hipogonadismo primario (la no producción de testosterona). Psicológicamente, los Castrati sabían que se diferenciaban de los hombres no mutilados, pues sus cuerpos torpemente desarrollados y sus pocas interacciones sociales no permitían olvidarlo.

La voz de un Castrati

A lo largo de este artículo te hemos relatado que los Castrati poseían una voz gloriosa, pero y ¿Cómo lo sabemos?. Bueno… primero te contamos la teoría y luego vamos a la práctica. Aristóteles reconoció la laringe y la tráquea a las que llamó «tubo de viento», como el instrumento que produce la voz.

Con los avances de la modernidad, la ciencia logró descubrir que entre más cortas y finas fueran las cuerdas vocales, mucho más aguda puede llegar a ser la voz. Los Castrati, al ser castrados en la pubertad, no tuvieron un alargamiento u ensanchamiento de las cuerdas vocales, incluso, estás podían llegar a ser más cortas que las de una mujer. Esto puede llegar a explicar por qué los Castrati solían tener voces más dulces que las de las mujeres.

¿Quieres sabe cómo sonaba la voz de un Castrato? Bueno, mira el video de arriba y lo descubrirás. Alessandro Moreschi es considerado el último de los Castrati, él nació en Roma en 1958. En el siglo XIX, fue prohibida la castración con fines artísticos, por lo que Moreschi fue el último en gozar la fama que durante dos siglos los Castrati habían creado. En su carrera artística fue el soprano principal del coro sixtino y en 1898, cuarenta años después pasó a ser el director del coro hasta 1913. Con el paso de los años fue perdiendo su toque vocal y se retiró del escenario musical. Sin embargo, en 1902 y 1904 interpretó diez obras compuestas especialmente para su tesitura.

Estas grabaciones son excepcionales para las curiosidades de la historia, pues son los únicos registros que existen de la voz de un Castrati. Cabe resaltar, que la obra de Moreschi fundamentada en el siglo XIX es bastante lejana de la época dorada y barroca que llevó a los Castrati a su fama absoluta. Así que debemos medir distancias en tanto la técnica y la voz de un Castrati del siglo XIX a uno del XVII.

¿Eran los Castrati los mejores amantes?

La vida de los Castrati estaba rodeada de muchos rumores, entre ellos, su vida sexual. Algunos aseguraban que los Castrati no eran solamente maravillosos en el canto, también lo eran en la intimidad.

Te sorprenderá saber que el público femenino no solo se deleitaba con su voz, según decían, los Castrati, eran unos amantes maravillosos. “¡Viva el cuchillo, el bendito cuchillo!” Estas frases solían escucharse a menudo en los palcos de la ópera en el siglo XVIII. No obstante, no era solo allí donde uno podía oír dichas expresiones, también en las alcobas solían gritarse tales eufóricas palabras.

Debemos aclarar que todo parte de conjeturas y rumores. En esa época se decía que un Castrati era hábil en la cama, pero ¿cómo?… Los procedimientos quirúrgicos no eran una castración total de su órgano sexual, por lo que el pene estaría allí y se desarrollaría de forma normal. Se habla que la sociedad, en esa época, valoraba a los Castrati porque al estar castrados, no podían concebir. Algo excepcional para las mujeres que querían tener amantes «discretos».

Más tarde empezó a difundirse un rumor: la castración hacía que el hombre tuviera más resistencia, eran amantes solícitos que buscaban completamente el placer de la mujer. Mientras la mayoría de amantes terminaban con un corto instante de placer, los Castrati eran maravillosos compañeros de cama para las damas de la época, no eran fanfarrones ni presumidos, sino galantes caballeros capaces de aguantar bastantes horas…

Uno de los Castrati más famosos, fue el gran Farinelli. Excepcionalmente atractivo y dotado de una maravillosa voz, fue uno de los amantes más solicitados y deseados, una figura que ha quedado como referencia para la historia.

Algunos historiadores advierten que el hecho de sufrir mutilaciones de este tipo y con tan escasa edad, generaba en los Castrati, fuertes problemas físicos y psicológicos. La castración de los chicos y la usencia de la estimulación hormonal, no solo impide el crecimiento de las cuerdas vocales, también anormalidades fisiológicas graves que generalmente han sido pasadas por alto en la historia de los Castrati.

Una anomalía de los hombres castrados prontamente, es que sus brazos y piernas son desproporcionadamente largos en relación con el torso, una condición definida médicamente como «aspecto eunucoide». También se evidenciaba la falta de crecimiento de vello, el aumento de grasa subcutánea desarrollada, el desarrollo de pechos debido a esa grasa.

Sin duda alguna, los Castrati han sido, por siglos, unos hombres dotados de voces angelicales que entusiasmaron a su público en las iglesias, las cortes y los teatros de toda Italia. Si quieres saber más sobre el mundo de la música, te recomendamos leer algunas curiosidades de Mozart.

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10 Datos curiosos de Dolores O’Riordan

Antes de comenzar con la lista de datos curiosos debes saber que Dolores O’Riordan fue una artista mucho más compleja que lo que se ve en su participación como vocalista en The Cranberries. Desde muy pequeña se convirtió en una persona autosuficiente e independiente, en esa época ella logró cultivar un talento que tuvo su éxito final con la agrupación irlandesa. Ahora sí, ¡comencemos con los datos curiosos de Dolores O’Riordan!

1. Sus artistas favoritos

Conocer los intereses musicales de nuestros artistas favoritos siempre resulta interesante, pues, podemos darnos cuenta que ellos muchas veces se ven influenciados por sus gustos. Tal es el caso de Dolores O’Riordan, que tenía temas predilectos que no solo eran referencias en sus composiciones, sino que también eran simbólicos, algo así como lemas de vida. Para Dolores O’Riordan, por si te despierta curiosidad, los referentes musicales eran: Duran Duran, Patsy Cline, The Smiths y Sinéad O’Connor, en varias ocasiones y haciendo alusión a sus curiosidades, confesó que era una seguidora leal de cada uno de ellos.

2. La primera canción

Con tan solo 12 años, Dolores O’Riordan descubrió su talento como compositora, a esa edad escribió su primera canción de amor a la que llamó “Calling”, que estaba dirigida a un hombre mucho mayor que ella y que, además, era su profesor en secundaria. En sus ratos libres solía escribir y componer, así fue como en la escuela consiguió ser llamada «The girl who writes songs».

3. Admiración por el Papa

Uno de los datos más curiosos de Dolores O’Riordan es tal vez su profunda admiración al Papa Juan Pablo II, uno de los papas más importantes de la historia. Ella lo conoció por primera vez cuando era apenas una niña en su Irlanda natal, y más adelante se reencontraría con el sumo pontífice como vocalista de The Cranberries, ofreciendo conciertos en El Vaticano para fechas navideñas en 2001 y 2002. Sobre él, Dolores O’Riordan expresó: «Era precioso, muy santo. Estaba loca por él. Pienso que realmente se preocupaba por los pobres y que amaba reunirse con la gente».

4. La infancia de Dolores O’Riordan

La vocalista de The Cranberries confesó al Sunday Independent que habría sido abusada sexualmente entre los 8 a 12 años por un vecino en el que su familia confiaba, un hecho que debe ser repudiado por todos. Dolores O’Riordan también expresó que estos hechos violentos la llevaron a tener fuertes problemas de depresión y ansiedad en su adolescencia, y que posteriormente en la adultez desencadenaron trastornos alimenticios.

5. Temas desgarradores en sus canciones

Dolores O’Riordan dejó su granito de arena no solo en el Rock como tal, sino en las letras de sus canciones. Uno de los datos más admirables y curiosos de Dolores O’Riordan se encuentra en el álbum «Bury the Hatchet» con el tema Fee Fi Fo. En él, la artista habla sobre el abuso infantil, inspirado en su propia experiencia. Un fragmento de la canción dice: «¿Cómo puedes tocar algo tan inocente y puro? oscuro. ¿Cómo puedes conseguir satisfacción del cuerpo de un niño? estás enfermo», una de las frases de Rock más tristes en su historia.

6. Su formación musical

Dolores O’Riordan en su niñez y adolescencia estudió música sacra, comenzó cantando en los coros de diferentes lugares de Irlanda. Ella era mezzosoprano, lo que le permitía hacer cambios abruptos y rápidos de volumen con tonos suaves y a veces desgarrados, uno de los datos curiosos que Dolores O’Riordan siempre sacó a relucir con su espectacular voz.

7. Zombie, una crítica a la sociedad

La canción de Fee Fi Fo no sería la única canción de reclamo cantada por Dolores O’Riordan junto con la agrupación de The Cranberries. Una de las más afamadas canciones de Rock, Zombie, con ritmos densos y un vídeo que despliega imágenes conmovedoras de niños y tropas británicas con armamento pesado patrullando por las calles de Irlanda del Norte, es un pronunciamiento contra el conflicto de Irlanda del Norte y el atentado del IRA que sesgó la vida de dos infantes en 1993. Sin duda alguna, Dolores O’Riordan era una mujer que daba su voz por las injusticias, en especial la de los niños.

8. Problemas de conducta

En 2006 ocupó un lugar entre las 10 mujeres más ricas de Irlanda en The Times UK, sin embargo, una porción de su fortuna fue destinada a pagar multas por los líos legales en los que estuvo envuelta durante varios años. Las faltas a la ley incluían agresiones a policías y a un empleado de una aerolínea por haberle cobrado un sobrecargo por un vuelo de Nueva York con destino a Irlanda. Uno de los datos curiosos de Dolores O’Riordan es que era una mujer con gran carácter, no le importaba decir lo que pensaba.

9. La depresión de Dolores O’Riordan

Durante su vida, Dolores O’Riordan tuvo numerosos altercado con la ley, por ello, la corte concluyó que el comportamiento errático de Dolores respondía a trastornos mentales. En 2017, la cantante confirmó que sufría de Trastorno bipolar y depresión, describiéndolo como «una de las peores cosas por las que puedes pasar. Pero también he tenido mucha felicidad en mi vida, especialmente con mis hijos».

10. Una familia feliz

Dolores O’Riordan fue madre de tres hijos, Taylor del cual no se tiene mucha información, Molly Leigh, que nació en el 2001 y Dakota Rain, la menor de todos y que nació en el 2005. Todos son fruto de su matrimonio con Don Burton, exmanager de uno de los artistas favoritos de Dolores, Duran Duran.

Algunos datos curiosos de Dolores O’Riordan finales: su nombre se debe a la profunda devoción que su madre tenía en la Virgen de los Dolores. Asimismo, el cortejo fúnebre de Dolores O’Riordan llevado a cabo en Ballybricken, Irlanda, contó con una selección de canciones entonadas por la angelical voz de O’Riordan, entre ellas, el Ave María de Franz Schubert, que interpretó junto a Pavarotti.

Cuéntanos, ¿conoces más datos curiosos sobre Dolores O’Riordan? ¡Te leemos!

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Conoce la fascinante historia del jazz

Como todo en esta vida, el jazz no surgió de la nada, sino que para llegar al género que hoy conocemos como tal, intervinieron muchas personas, tradiciones y ritmos entre el siglo XIX y el siglo XX. A continuación, te contamos un poco de estos ritmos origen del jazz: el ragtime y el famoso blues.

1. El ragtime

Al ritmo sincopado del jazz lo antecede el ragtime, que surge alrededor de 1890. Su ciudad natal fue Sedalia, al sur de Missouri (EE. UU.) porque Scott Joplin, su principal exponente, se radicó allí. Este estilo de música, clave en la historia del jazz, está compuesta principalmente por piano. A veces adopta formas de minuetos clásicos, otras se parece a los valses de Strauss, y corresponde a la música de este instrumento del siglo XIX.

En ragtime se puede tocar casi cualquier pieza: desde Chopin y Liszt hasta marchas y polcas. La diferencia es que busca hacerlo todo en la concepción rítmica y el estilo intenso de los ritmos africanos. Y así lo demuestra su nombre: ragged time = tiempo despedazado; esa era la impresión que causaba esta música cuando nació.

Para entender el ragtime como origen del jazz es necesario tener en cuenta que esta población negra venía de las plantaciones de algodón y de los campamentos de trabajadores de las grandes vías ferroviarias que cruzaban el sur de los Estados Unidos, desde Sedalia y Kansas City, St. Louis y Texas. Sin embargo, no eran los únicos que tocaban ragtime, las poblaciones blancas lo hacían, sirviendo como instrumento de unión entre culturas.

2. El blues

A principios del siglo XIX la cosmopolita Nueva Orleans era un hervidero de razas y pueblos. Antes de que Estados Unidos comprara el estado de Louisiana, esta ciudad había estado bajo el dominio de españoles y franceses, donde distintos pueblos vivieron con los esclavos traídos de África y sus descendientes.

Nueva Orleans era un lugar poco común: franceses, españoles, ingleses, italianos, alemanes y eslavos convivieron juntos. Tanto así, que se escuchaban tanto los himnos y corales anglicanos como los católicos, bautistas, metodistas, los shouts, los gritos cantados y demás, componiendo una melodía citadina llena de colores distintos en armonía. Este es el origen del blues que, a su vez, es parte vital de la historia del jazz.

El vocablo blues quiere decir “tristeza” en un inglés, algo en desuso actualmente. Los cantos de trabajo en las plantaciones de algodón o los Spirituals, cantados en las ceremonias religiosas, salpicados de bailes, gritos y esa tristeza invencible de la esclavitud, en conjunto con el fervor de las diferentes religiones en Nueva Orleans, dieron forma al blues e influyeron notablemente en el origen del jazz.

El origen del jazz y su viaje de los funerales a los burdeles

Ahora, lo más curioso de toda la historia del jazz, es cómo se trasladó esa música. Pasó de fervor religioso, de tristeza y eminentemente del barrio francés, al distrito de Storyville, la zona “roja”, llena de burdeles y bares donde se reunían a tocar los músicos urbanos de Nueva Orleans y de allí a Nueva York, a Chicago y al resto de Estados Unidos, volviéndose viral.

Las bandas callejeras, generalmente formadas por una trompeta (o corneta), un trombón y un clarinete, eran contratadas para tocar en los funerales. Iban detrás del féretro a un ritmo lento, cadencioso, expresando la tristeza de la muerte. Pero luego, de regreso, el ritmo se volvía frenético, efervescente, y la gente bailaba, lloraba, reía, mezclando, junto a la música, las emociones básicas de la vida. Es una tradición que pervive hasta hoy en Nueva Orleans.

Así es como, poco a poco, los dueños de los bares y los burdeles se dieron cuenta de que la gente disfrutaba mucho de este ritmo, alegraba el día, y decidieron llevar esas bandas para que amenizaran las noches. Tal vez por eso, al comienzo, el origen del jazz estuvo ligado a los prejuicios raciales y morales que imperaban en la época.

Entonces, estas bandas se trasladaron a Storyville, en donde también tocaban músicos blancos. Allí se influenciaron mutuamente cuando coincidían y se iniciaba una especie de competencia entre bandas blancas y negras. Artistas tan famosos como Louis Armstrong o Jelly Roll Morton comenzaron sus carreras así, al igual que pianistas como Steve Lewis, Spencer Williams y Manuel Manetta. La comunidad negra consideraba que la historia del jazz de bandas blancas era distinta y aparte. Se referían a estas melodías como “Dixieland jazz”, para diferenciarla del modo de tocar de los bares negros de Nueva Orleans.

La consolidación de la historia del Jazz como género musical

Vamos a la consolidación de la historia del jazz… ¿Cuándo comenzó a llamarse jazz a esta música alegre que había surgido de la tristeza? La primera vez que se utilizó la palabra jazz para referirse a la música fue en el diario San Francisco Bulletin, el 6 de marzo de 1913, en una reseña sobre el tipo de música ejecutada por una orquesta del ejército: “sus integrantes entrenaban a ritmo de ragtime y jazz” (la historia siempre tiene un tinte de sarcasmo).

De hecho, no había una ortografía única, por lo que podías ver en los periódicos palabras como jaz, jas, jass, jascz o jasz. Hay historiadores que apuntan a que el término es de origen africano. Igualmente, hay quienes sugieren que viene del minstrel (El minstrel era un género teatral musical típicamente estadounidense. Aunaba la ópera inglesa con la música de origen negro) o del vodevil (género de teatro de variedades nacido en Francia y desarrollado principalmente en los Estados Unidos. Estructurado como un tipo de comedia ligera y que solía intercalar números musicales)

Otros señalan una posible relación con el nombre del coito en el argot norteamericano. ¡O tal vez sea una conjunción de todas estas razones!

En el origen del jazz, los músicos solían improvisar sobre las partituras, recreando libremente el tema de cada ejecución, de manera que la melodía solo es un pretexto para desarrollar su propia interpretación, rasgo que caracteriza la historia del jazz y su esencia. Te dejamos con una pieza de 1927, del gran Louis Armstrong y los Hot Five.

El jazz moderno, como lo conocemos hoy, surgió del encuentro entre las comunidades negras y blancas trabajadoras que hacían vida en EE. UU., producto de la combinación de los ritmos africanos, caribeños y europeos. Se dice por ahí que es la única música autóctona de los Estados Unidos. Sobre todo, representa la “reunión”, y el carácter nacional e internacional de la música.

¡Cuéntanos! ¿Has escuchado alguna banda de jazz en vivo? ¿Cuál es tu artista de jazz favorita/o? ¿Conocías ya la historia y el origen del jazz? ¿Consideras que falta algún dato curioso que debería ser agregado? ¿Quisieras recomendarnos a alguna banda o artista de jazz en específico? ¡Escríbelo en los comentarios! Y si este tema ha llamado tu atención, no te pierdas este otro artículo en el que te contamos todo sobre el origen de la música o este otro con las mejores frases del jazz. ¡Hasta la próxima!

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¡Demos el primer paso! ¿Qué es el ballet?

Seguramente has escuchado hablar del ballet, pero ¿realmente sabes lo que caracteriza a esta danza? Para ahondar en la historia del ballet comenzaremos por ahí.

El ballet clásico es un tipo de arte escénico, en el cual se fusiona la danza, la música de orquesta, la actuación, el vestuario e, incluso, los relatos fantásticos. El ballet es un tipo de danza supremamente técnica que, a través de sus movimientos, refleja la elegancia y sofisticación propias de la cultura cortesana.

Las coreografías de esta danza se caracterizan por contar por tres etapas bien definidas: en primer lugar, Pas de Deux (movimiento lento); en segundo lugar, las variaciones en solitario y, en tercer y último lugar, un Pas de Deux final o de cierre. Además, es necesario recalcar que el ballet clásico generalmente cuenta una trama a través de la coreografía, la cual se ejecuta con música clásica.

Por otro lado, el ballet clásico incluye movimientos geométricos y posiciones que siempre parten de la verticalidad corporal.

A partir del ballet clásico surgen otras modalidades, como el ballet romántico, el moderno e, incluso, el ballet de acción o el acuático.

La historia y origen del ballet: Una de las danzas más famosas y admiradas del mundo

Uno de los aspectos fundamentales para sumergirse en el origen del ballet es entender de dónde proviene su nombre. El término ballet proviene del francés que, a su vez, se deriva del italiano balleto, diminutivo de Ballo y de su raíz griega que significa bailar.

Ahora bien, aunque la historia del ballet clásico es relativamente moderna, sí cuenta con una enriquecida colección de sucesos y transformaciones que lo han llevado a que, hoy en día, sea tan famosa y admirada.

El ballet clásico nace en las cortes monárquicas europeas y, por un buen periodo de tiempo, se mantuvo como un espectáculo privado.

El término fue utilizado por primera vez por el coreógrafo y compositor Balthazar de Beaujoyeulx, quien montó las primeras coreografías en 1572 para la boda de la hija de Catalina de Medici y luego para el nombramiento del duque d’Anjou como rey de Polonia. Fue así como el ballet y las artes italianas se introdujeron en las cortes francesas.

Ahora bien, aunque, en primera instancia, el ballet como danza surge en la Italia del Renacimiento, solo se concibe como tal y se identifica en el siglo XVI y en Francia. Fue allí en donde surge como profesión, cuando, en 1661, se funda la Academie Royale de Dansey se institucionaliza la danza.

El ballet como género teatral y el arte en movimiento

Con la institucionalización del ballet se crea la primera escuela de danza en la que se forma al artista desde el control total y absoluto del cuerpo. Sin embargo, en 1713, se da un giro importante en la historia del ballet: en este año, la danza pasa a ser un género teatral, lo que permite que salga del encierro y se posicione en los escenarios públicos.

Rápidamente, el ballet teatral se independizó del arte, lo que permitió que se diera a conocer en todo el mundo con la formación de nuevas empresas, como el Royal Ballet de Londres, el ballet de San Francisco, el American Ballet Theatre, el ballet de Nueva York o el Ballet nacional de Canadá, entre otros.

Debido a lo anterior, más tarde, a lo largo del siglo XIX, aparecen algunas de las piezas más importantes de la historia del ballet, muchas de las cuales siguen engalanando los escenarios de todo el mundo; entre ellas vale mencionar: El lago de los cisnes (1877), La bella durmiente (1890) y El cascanueces (1892).

Ya durante el siglo XX se desarrollaron estilos más diversos y con ciertas transformaciones, como el ballet neoclásico, el contemporáneo o el post-estructural.

La mujer en la historia del ballet: Una transformación romántica

Seguramente te estarás preguntando sobre el papel de la mujer en esta danza. Por ello, queremos hablarte del ballet romántico. Este es un punto de inflexión en la historia del ballet. Se sitúa a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX, cuando surge propiamente el movimiento romántico.

Entre las características de este tipo de ballet, resaltan los movimientos etéreos y aéreos, así como el baile sobre zapatillas de puntas. Sin embargo, uno de los factores más relevantes del ballet romántico es el protagonismo que adquieren las mujeres. En este sentido, las bailarinas se convierten en el símbolo de ideal de belleza femenina: mujeres delicadas y refinadas. El primer y más famoso ballet romántico es La sílfide, la cual se estrenó en la Ópera de París en 1832.

Sin embargo, es necesario mencionar que la participación de la mujer desde la perspectiva del ballet romántico conllevó que se mercantilizara el sexo femenino que, eventualmente, perjudicaría el estatus de la danza dentro de la generalidad de artes.

El dominio del ballet: un arte internacional

A lo largo del siglo XIX, la historia del ballet cambia de escenario y se traslada de Francia a Rusia. Durante esta época, el Imperio Ruso asignó grandes presupuestos a la creación del Ballet de San Petersburgo y a sus diferentes espectáculos. Entre sus figuras claves, vale destacar a Marius Petipa, quien fue invitado a participar en el ballet ya antes mencionado, y al compositor Tchaikovsky, quien, en alianza con Petipa, crea obras de alto impacto como La bella durmiente, El cascanueces, Don Quijote y La cenicienta.

Y aunque el ballet ruso tuvo una importante repercusión, la danza también tuvo un desarrollo magistral en otros países, como Italia, Inglaterra y Dinamarca. En el siglo XX y XXI se fortaleció en Norteamérica y Latinoamérica, donde, además, se realizó un proceso de reapropiación y resignificación de la danza.

No queremos finalizar nuestro artículo sobre la historia del ballet sin recordarte que a pesar de los múltiples cambios que ha tenido la danza, cada una de las corrientes tiene la vista puesta en aquellas características que dieron origen al ballet clásico, entendiéndola como una suerte de tecnología corporal que parte del poder, el comportamiento y la fragmentación del cuerpo. El ballet se basa, también, en la significación del cuerpo como estatus social, ya que en él convergen prácticas, disciplinas, excesos y ausencias, así como normativas sociales y comunitarias.

Y tú, ¿conocías estos aspectos de la historia y origen del ballet? ¿Qué otro dato consideras importante sobre ella? ¡Estamos ansiosos por leerte!

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¡Comencemos por lo básico! ¿Qué es el flamenco?

En términos generales, el flamenco es una expresión artística en la que se fusiona la música vocal, la danza y el acompañamiento musical, es decir, el cante, baile y toque. Este género musical se desarrolló en España, más específicamente en Andalucía, y se caracteriza por la participación de influencias judías, moriscas, gitanas, castellanas, africanas y americanas. Es, además, reconocida por su gran intensidad emocional. En él resaltan instrumentos como la guitarra, las castañuelas y el cajón.

La historia del flamenco y la expresión artística per se es el gran emblema español a nivel internacional.

La historia del flamenco: El camino hacia la perfecta armonía

Aunque hay muchas interpretaciones y creencias alrededor de la historia del flamenco, sí se encuentran algunas certezas que vale la pena mencionar.

En primer lugar, el origen del flamenco inicia en Andalucía, al sur de España, aunque también se encuentran raíces en algunas otras regiones del país, como Murcia o Extremadura. Según las diversas investigaciones, el flamenco nace en el siglo XVIII y los primeros vestigios de este arte se encuentran en Jerez de la Frontera; sin embargo, también se encuentran menciones de este en la obra La Gitanilla, de Cervantes (1613).

En segundo lugar, vale mencionar que la tesis más extendida respecto al origen de este género musical es la propiciación de su creación a causa del mestizaje cultural que caracterizaba a Andalucía (castellanos, musulmanes y oriundos). Sin embargo, no se pueden olvidar las influencias judías, de melodías salmodiales, los antiguos sistemas musicales hindúes, los cantos musulmanes y las canciones populares mozárabes.

Ahora bien, la historia del flamenco y la aparición documentada de este género musical se debe a las crónicas de alguien conocido como El Bachiller Revoltoso, las cuales datan de 1740. En estas crónicas se cuenta como la nieta de Baltasar Montes —el gitano más viejo de Triana—, iba a bailar a las casas de los nobles de Sevilla acompañada de instrumentos de cuerda y percusión.

El canto y el baile: Claves en la historia del flamenco

Ahora bien, en la búsqueda del origen del flamenco, encontramos que los primeros artistas de esta expresión se reconocen desde el siglo XVIII y se cree pertenecían a regiones como Triana, Jerez y Cádiz. Es en este momento en el que el flamenco deja de ser solamente una expresión, para convertirse en género musical. Se piensa que el primer cantor flamenco fue Tío Luis de la Juliana, aunque nunca se ha podido demostrar su existencia; también vale resaltar la figura de El Planeta y la de La Andonda, la que se cree fue la primera mujer en cantar por “solea”.

En cuanto al baile, se cree que este recibió influencias de las danzas que procedían del subcontinente indio, lugar del que proviene el pueblo gitano.

Ya con la finalización de la Guerra de Independencia Española, el flamenco inició un rápido crecimiento, muy complementado con la fascinación por lo andaluz y el bandolerismo.

En qué vamos: La expansión del flamenco, un género que hace historia

Ya convertido en género musical —un paso clave en la historia del flamenco—, el auge que alcanzó fue tal que le permitió cruzar las fronteras andaluzas y llegar a las demás ciudades del país; tanta fue su importancia que incluso la corte madrileña lo recibió con agrado.

De otra parte, otra de las grandes consecuencias de la expansión de este género fue la creación de los cafés cantantes, los cuales eran locales nocturnos en los que las personas bebían mientras disfrutaban de un espectáculo de flamenco. La tradición fue iniciada en 1881 —por Silverio Franconetti— y hoy en día sigue vigente.

También es importante destacar el surgimiento de la ópera flamenca, entre 1920 y 1955. Con su aparición, el arte flamenco se tomó las plazas de toros y los teatros, siendo este un paso clave para su expansión alrededor del mundo. De la mano con ello, aparecieron los primeros villancicos tradicionales aflamencados, los cuales innovaron insertando la temática navideña en el toque.

Ya luego, en los 50, surge la flamencología, una institución que tiene por objeto el estudiar, investigar, conservar y promover el arte flamenco. Y en los 70 se constituye la hoy conocida fusión flamenca, una mezcla con otros estilos musicales provenientes de Estados Unidos y Europa.

Entre los representantes del flamenco más reconocidos se encuentran Rocío Jurado, Lola Flores y Paco de Lucía.

¡Hemos llegado al final de nuestro artículo sobre la historia del flamenco! Sin embargo, no queremos irnos sin preguntarte: ¿conocías esta información sobre el origen del tan afamado flamenco? ¿Tienes algún otro dato que pueda complementarla? ¡Te leemos! Ah, y no te vayas sin conocer estas frases flamencas, ideales para iniciarte en el género.

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Historia de la salsa: ¿De dónde proviene y por qué es tan especial?

Antes de comenzar a indagar en los hitos de la historia de la salsa queremos contarte que esta se entiende como un género musical en el que se fusionan diferentes ritmos latinos y afrocaribeños, como el chachachá, el mambo, la guaracha y el son cubano, así como el Jazz y algunos otros ritmos estadounidenses.

Ahora bien, el origen de la salsa ha sido altamente debatido, ya que resulta bastante complejo determinar un lugar de origen específico. Sin embargo, en este artículo nos concentraremos en uno de los aspectos más relevantes al respecto, el cual se relaciona con la fusión de elementos nativos americanos, con sonidos propios de la colonización española y la musicalidad afroamericana.

De acuerdo con lo anterior, se entiende que la historia de la salsa comienza en los siglos XVI y XVII en Cuba, cuando a la música de los africanos esclavizados se sumaron nuevos elementos de percusión, debido, claro, a la mezcla de culturas. De esta fusión nacen ritmos como los mencionados al inicio de este apartado, siendo el son cubano la principal base musical para lo que hoy se entiende como salsa.

Tiempo después —en los años 60—, la emigración de latinoamericanos, luego de la Segunda Guerra Mundial, permitió que la fusión que dio vida a la salsa se extendiera hasta los Estados Unidos, ganando alta popularidad en ciudades tan importantes como Nueva York, en donde gran parte de la nueva generación latina definió su voz cultural.

¿De dónde proviene el término? Un hito clave de la historia de la salsa

Para continuar con los aspectos relevantes que conforman la historia de la salsa vale ahondar en el origen del término. Este es también un aspecto debatido, aunque, en general, se cree que este fue utilizado por primera vez en 1933, cuando el músico cubano Ignacio Piñeiro lanzó la canción Échale salsita. El nombre del género también se vincula al conjunto Los Salseros, quienes, a través de sus conciertos, llevaron a que se empezara a utilizar el término Salsa en radio.

El origen de un concepto en manos de Fania All Stars

Aunque la evolución de la salsa se fortaleció con la emigración y no solamente llegó en poco tiempo a extenderse por toda Latinoamérica, sino que encontró lugar en diferentes países alrededor del mundo, hubo un grupo musical que marco un antes y después de la historia de la salsa: Fania All Stars.

Este grupo apareció en 1967, siendo un proyecto del empresario italoamericano Jerry Masucci y Johnny Pachecho, un importante flautista dominicano. El grupo buscaba reunir a todas aquellas estrellas y voces representantes de la música latina del momento, entre las que se encontraban el mismo Johnny Pacheco, Héctor Lavoe, Willie Colón, Rubén Blades y otros artistas invitados, como Celia Cruz.

Gracias a la creación de este proyecto salsero, hacia los años 70 la salsa logró comercializarse. De esta manera logró posicionarse en el mercado estadounidense e ingresar, no solo en el mercado europeo, sino en el mercado escandinavo, japonés y africano.

A partir de allí y en los años siguientes surgieron algunos de los más grandes temas de la salsa, entre los que vale mencionar Anacaona (Cheo Feliciano), Llorarás (Oscar de León), Quimbará (Celia Cruz y Johnny Pacheco), El preso (Fruko y sus tesos) o Pedro Navaja (Willie Colón y Rubén Bladez).

Un género cada vez más poderoso: Evolución y actualidad de la historia de la salsa

A partir de los años 80, el género adoptó nuevos instrumentos y formas musicales, lo que permitió que aparecieran nuevos estilos, como la salsa romántica, muy popular en Nueva York, y que luego fue asimilada por importantes artistas, como Frankie Ruiz, Mark Anthony y Dan Den.

Ya a finales de los años 80 y mediados de los 90, el boom de la salsa se concentró en la salsa sensual o erótica, con exponentes como Eddie Santiago, David Pabón, Willie Gonzáles y Luis Enrique. También nacieron otras fusiones novedosas con géneros como el pop, el rock o las baladas.

En la actualidad, la salsa sigue siendo uno de los géneros musicales más escuchados alrededor del mundo y aunque sigue siendo fiel a su esencia, está permitiendo la integración de géneros más modernos, como la bachata, el rap, el trap y la electrónica.

¡Así finalizamos nuestro artículo sobre la historia de la salsa! Esperamos que fuera inspiración para escuchar un poco más de este género y descubrir nuevos exponentes, además de conocer las mejores frases de salsa. Antes de despedirnos queremos preguntarte: ¿cuál es tu canción de salsa favorita? ¿Qué grupos musicales escuchas? ¿Conoces algún otro dato sobre el origen de este género que quieras compartirnos? ¡Estamos ansiosos por leerte!

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El origen de 10 de los nombres de grupos musicales famosos

En efecto, los fanáticos de la música quieren saber todo sobre la banda a la que siguen. Aparte de disfrutar durante años de sus más grandes éxitos, endeudarse por comprar entradas para sus conciertos, ‘mochilear’ para seguirlos en sus giras y no perder pista de la vida de sus integrantes, hay un dato curioso que no todos conocen, y justamente es neurálgico; el origen de los nombres de bandas famosas, esas que han marcado la historia personal de millones. La siguiente lista contextualiza los nombres de algunas bandas conocidas en diferentes partes del mundo. Seguro que encontrarás aquí a alguna de tus favoritas.

1. The Doors

Iniciamos este recorrido por la historia de los nombres de bandas famosas con los clásicos y muy famosos The Doors. Jim Morrison, vocalista de la banda, tomó el nombre de una cita del poeta inglés Wiliam Blake: “If the doors of perception are cleansed, everything would appear to man as it truly is: infinite.” (Si las puertas de la percepción fueran abiertas, el hombre percibiría todas las cosas tal como son: infinitas).

2. Led Zappelin

Hay nombres que provienen de las anécdotas más cotidianas y divertidas, este es justo el caso de Led Zappelin. Su guitarrista, Jimmy Page andaba tomando unos tragos con Keith Moon y John Entwistle (uno baterista y el otro bajista de The Who) y bromeando sobre formar un grupo, Entwistle dijo: “Terminaríamos como un zepelín de plomo”.

3. Guns N Roses – Axl Rose

Si eres un verdadero fanático del rock, entre los nombres de bandas famosas seguro que has escuchado a esta leyenda. Pues te contamos que el nombre de este grupo proviene de la unión de los L.A. Guns (banda de Tracii Guns) y Hollywood Roses (banda de Axl Rose). Por otro lado, William Bruce Bailey se cambió el nombre al de William Axl Rose (Axl por su primera banda y Rose por ser el apellido de su verdadero padre). Lo curioso es que las iniciales de su nombre forman la palabra WAR (guerra, en español) y a la vez todas producen un interesante acrónimo: Oral sex.

4. AC/DC

Y es imposible hablar de nombres de grupos musicales famosos sin hacer referencia a esta leyenda del buen rock. Angus y Malcolm Young, fundadores de la banda, vieron escrito AC/DC en la máquina de coser de su hermana. Es la abreviación de alternating current/direct current (corriente alterna/corriente continua), que remite a que un aparato electrónico puede usarse con ambos tipos de tensión. Pero lo que ellos ignoraban era que también es una jerga para referirse a la bisexualidad. Esto se los hizo saber un taxista. Bastante curioso, ¿No?

5. La Oreja de Van Gogh

Nos vamos a un estilo musical completamente diferente, ¡Y que también nos encanta! Entre los nombres de bandas famosas, La Oreja de Van Gogh es bastante peculiar y su razón de ser es obvia, aunque no todos la saben. Vincent Van Gogh se cortó la oreja porque una prostituta se lo pidió. Ahora, lo más insólito al respecto es que en una entrevista, hace mucho, la entonces vocalista Amaia Montero, cuya partida para muchos marcó el final de la banda, declaró que a ninguno de los miembros de la banda gustaba de las pinturas del genio holandés.

6. Los Enanitos Verdes

Si de nombres de grupos musicales famosos se trata, este gana el premio a la simpatía. Sobre el origen del peculiar nombre Los Enanitos Verdes, hay dos versiones. La primera: El guitarrista Felipe Staiti cuenta que cierta familia se tomó una foto y al momento de revelarla aparecían junto a ellos unos enanitos verdes. La segunda: Se dice que llegado el día de ponerle nombre a la banda, Marciano optó por este, ya que la noche anterior soñó con unos seres verdes de pequeña estatura.

7. Café Tacvba

Algunas de las más afamadas Canciones de Rock en español se las debemos a los mexicanos de Café Tacvba. Y también una de las más curiosas historias sobre el origen de los nombres de bandas famosas. El café de Tacuba es un local ubicado en el Centro Histórico de la ciudad de México. Cuando se formó la banda y se le puso el nombre, tuvieron problemas por los derechos del mismo, así que optaron por cambiar la ‘u’ por la grafía del español antiguo ‘v’. ¡Y asunto resuelto!

8. R.I.O.

En América Latina también encontramos grandes exponentes de la música, que han sabido atravesar fronteras y corazones con sus canciones. Sumamos a este listado de los nombres de bandas famosas, a los genios de R.I.O. Decididos a conquistar tierras extranjeras, esta banda peruana se presentó con el nombre de Royal Intertional Orchestra. Como a los productores y presentadores les parecía un título muy largo, usando las iniciales los renombraron como R.I.O. Con más de treinta años en los escenarios aún siguen cautivando a las nuevas generaciones rockeras.

9. Arena Hash

Los chicos de esta banda limeña andaban en clase pasándose papelitos con los posibles nombres. Se requería uno compuesto con alusiones al verano, a la playa. Se propuso Arena y, después de intentar con varios colores, optaron por complementarlo con Hash (de hashish, hachís). Pedro Suárez-Vértiz, vocalista y guitarrista, comenzó a dudar del nombre luego de enviar el casete con las canciones a una radio, pero ya habían sido anunciados así.

10. Soda Stereo

Seguimos en América Latina, pero esta vez nos vamos hasta tierras argentinas. Fue en un garaje del barrio de Belgrano donde este grupo de talentosos chicos empezó su carrera musical. Ensayaban en ese entonces bajo el nombre de Los Estereotipos (por una canción de The Specials que le gustaba a los 3 miembros). Pero Gustavo Cerati, el vocalista y quien después sería un gran solista, siempre tenía sifones de una gaseosa (o soda en Argentina), llamada Drago. Los amigos que los visitaban decían que hacían música burbujeante como la soda, y relacionándolo con el sonido estéreo, nació así Soda Stereo. También pensaron en llamarse Aerosol y Side Car.

Los curiosos orígenes de los nombres de bandas famosas nos llevan a reflexionar sobre un asunto, y es que, sea con la música, la pintura o la literatura, la manera en la que decidimos nombrar el producto artístico, determina en gran medida su destino. Y es que, tal como dijo el genio Stevie Wonder en una de las frases sobre la música más geniales, «La música es un mundo dentro de sí mismo, es un lenguaje que todos entendemos.» Pero que aun así, es necesario nombrar. Si te ha gustado este tema, no te pierdas nuestro artículo sobre las canciones en español basadas en historias reales.

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Waterphone o el instrumento que produce el sonido del miedo

Primero lo primero: ¿qué es el waterphone? Verás, este es un instrumento inventado y construido por Richard Waters, un pintor y escultor que adoraba las curiosidades de las películas de terror. Este artista sabía que a las películas de horror les hacía falta una banda sonora acorde con los acontecimientos que iban sucediendo, por ello se puso manos a la obra…

1. ¿Qué es el waterphone?

El waterphone es un instrumento construido a partir de un tubo cilíndrico incrustado en un disco de metal. Al rededor de este hay varillas de diferentes tamaños que se encargan de transmitir sonidos distintos. Su creador nos explica que el waterphone es una mezcla de un tambor tibetano con una especie de violín de uñas. Finalmente, es gracias a su caja de resonancia que las notas se amplifican y sus tonos se vuelven verdaderamente espeluznantes. Pero… ¿Sabes por qué este instrumento se llama waterphone?

A la hora de tocarlo, los artistas suelen añadir un poco de agua. De esta forma, el sonido es más vibrante, más orgánico e inquietante. Y de ahí, el propio nombre de este instrumento: waterphone. La caja de resonancia es la que contiene agua, este líquido le permite mantener las ondas de una manera más prolongada.

En fin, el waterphone tiene como característica principal producir sonidos más graves, con un gran torrencial de sonidos armónicos. En esto el agua se ve implicada, pues actúa de dos maneras distintas. La primera es que puede llegar a conllevar curvar los tonos gracias al peso del agua, por lo cual se puede emitir sonidos con menores frecuencias y  tonos más graves. Por otro lado, si el waterphone se encuentra en una posición vertical, el agua ya no llega a poseer la resistencia del diafragma y es por este motivo que logra emitir sonidos más agudos y chillones.

Sea como sea, la música o más que música, los simples sonidos, se han convertido en uno de los favoritos en muchos estudios de grabación y bandas sonoras para los diferentes tipos de películas de terror. Por ejemplo, se sabe que Jerry Goldsmith, John Mackey, Tan Dun, Christopher Rouse, Colin Matthews o Carson Cooman son fieles admiradores del waterphone como un instrumento capaz de generar en el espectador aquello que ellos buscan. Por tal motivo, es que este ha sido tan demandado para muchas de sus producciones.

2. Un instrumento científico

¿Sabías que el waterphone es un instrumento que también sirve para comunicarnos con la naturaleza? Sí, así como lo lees. Pese a que ha sido utilizada para grandes películas como Matrix, Star Trek, Poltergeist o Aliens, ¡el waterphone se utiliza para llamar a las ballenas durante la investigación de sus hábitats naturales! Seguro que era uno de los datos curiosos de las ballenas que no te esperabas.

Al parecer este instrumento es capaz de bajar tanto su frecuencia que es totalmente congruente con los sonidos que emiten las ballenas. Dice Richard Waters que: «El hecho de que el waterphone pueda tenerse en el agua y ejecutarse, ha permitido también atraer a las ballenas y a otros cetáceos, por lo cual amplía la comunicación interespecie». Así que ya sabes, si alguien es suficientemente hábil para tocarlo, incluso, pueden responder a su llamado otros animales acuáticos como los delfines y tiburones. ¿Impresionante, verdad?

3. ¿Cómo es el sonido del waterphone?

Vamos a ver, sabemos que las imágenes nos muestran al waterphone como un instrumento difícil de tocar, pero es todo lo contrarío. Verás, en palabras de su creador: «para tocar el waterphone se necesita básicamente los ojos, el oído y la coordinación de las manos, lo cual es fácil de adquirir».

Aquí lo único que requieres para tocarlo es tenerlo. ¿Sabes que uno de los datos curiosos del instrumento es que es muy difícil que puedas obtener los mismos sonidos que ya produjiste? Todo se ve reflejado en la posición en la cual tengas el waterphone, la cantidad y el uso que le des al agua y la forma en que tú muevas la mano. ¿Te gustaría probarlo? Sabemos que sí.

4. Grandes artistas, buena música

Como ves, este instrumento es verdaderamente interesante. Por eso, antes de acabar queremos creemos que vale la pena saber algo más de este peculiar instrumento…

Músicos de la talla de Miles Davies lo utilizan y algunos los coleccionan o ejecutan, como Aerosmith, Kim Atkinson, Richard Barone, Todd Barton, Andrew Carter, Lee Charlton, Carson Cooman, Tony D’Anna, Rubem Dantas, David Darling, Karen Elaine, Reinhard Flatischler, Evelyn Glennie, Dave Grusin, Sofia Gubaidulina, Micky Harte, Imogene Heap, Toshiyuki Hiraoka, Kitaro, Klang, Gary Knowlton, Chris Lamb, Pete Lockett, Bill McQuay, Robert Minden Ensemble, Nexus, Not Breathing, John Pascuzzi, Luis Peralta, Emil Richards, Steve Roach, Christopher Rouse, Lalo Schifrin, Tom Scott, Andi Spicer, Jesse Stewart, John Synder, Bert Turetsky, Glen Velez, Sara Winge, Tom Waits, y muchos otros.

Todos ellos saben que para que el sonido pueda emerger en toda su intensidad necesitamos sentarnos e inclinarnos para después, tamborilear suavemente las varillas para que el agua cree esa resonancia tan singular que ha hecho famoso a un instrumento tan particular como el waterphone.

A día de hoy, aparece también como música de fondo en numerosas obras de teatro. En el 2008, por ejemplo, se utilizó en «The National Youth Music Theatre» de Gran Bretaña y para «Sueño de una noche de verano». El waterphone era ideal para crear sonidos misteriosos, etéreos e inquietantes cuando los actores se hallaban en los bosques.

Una última cosa más, a día de hoy existen tres modelos de waterphone, los cuales, van de menor a mayor diámetro. Créenos, su música es casi adictiva.

Esperamos que este artículo sobre un instrumento tan particular como waterphone te haya impactado. Si eres fanático de los instrumentos raros te invitamos a descubrir el theremin, un instrumento musical intocable, o la bramadera, el instrumento de la prehistoria. ¡Ambos te encantarán!

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10 canciones basadas en hechos reales que debes conocer

1. Jueves – La oreja de Van Gogh

Iniciamos este listado de canciones basadas en hechos reales, con el grupo español La Oreja de Van Gogh. Corría el jueves 11 de marzo, 2004. Siete bombas hacen estallar dos trenes en la estación de Atocha, Madrid. 191 muertos, víctimas de la brutalidad terrorista. Uno de los trenes hace explosión a poco de entrar a la estación. La canción cuenta la historia de una tímida joven que no sabe cómo declararle su amor al joven que se sienta frente a ella y con el que viaja a diario en el tren. En el instante en el que ella se envalentona y le habla, todo se detiene. Él le confiesa que siempre viaja allí solo para verla. El tren va llegando a la estación. Es un 11 de marzo.

2. Temblando – Hombres G

Estaban los Hombres G de gira por Italia, cuando el vocalista y bajista, David Summer, recibió una llamada telefónica de su novia. El tono suplicante de la voz de Summer era símbolo inequívoco de que la llamada no traía buenas noticias para él. La novia terminaba su relación de una de las peores formas en que se puede dar fin a un romance: por teléfono. Según Summer, quien contó la anécdota muchos años después, ella solo le habló para decirle que ya se veía con otra persona y que, después de que él, temblando y desesperado, le pidiera las explicaciones, ella respondió: ‘David… ya colgá’.

3. En el muelle de San Blás – Maná

La siguiente de las canciones basadas en hechos reales es de nuestras favoritas, En el muelle de San Blás, de Maná. Cuenta la historia de una mujer que cada domingo esperaba sentada en un muelle, llevando puesto un vestido de novia, al amante que tiempo atrás había partido para nunca más volver. Desde 1971, Rebeca Méndez, regiomontana de nacimiento, se sentaba en el muelle de San Blas, en México, a esperar a su novio que se iba a pescar y que un infortunado día partió para siempre. Fer, vocalista de la reconocida banda mexicana Maná, conoció a dicha mujer y no lo pensó dos veces para recrear musicalmente la trágica historia de amor. Para hacerlo más curioso aun, la casa a la orilla del mar que aparece desde el principio en el vídeo oficial de la canción perteneció a Rebeca, quien falleció en el 2012.

4. Cada vez que te digo adiós – Enanitos verdes

Siempre se ha creído que esta canción está dirigida a una persona a la que tuvo que dejar Marciano, vocalista y bajista de la banda argentina Enanitos verdes. Hasta cierto punto no es erróneo pensar eso, pero la letra no va dirigida a una novia suya, sino que Marciano la compuso para su madre, a quien este llamaba “Nena” cariñosamente. Surgió cuando corrían los primeros años de la banda mendocina y era hora de salir de la ciudad – hasta del país- para promocionarla. Así, un Marciano bastante joven tenía que despedirse de su madre para ir en busca de sus sueños. La letra es un claro reflejo de la emoción, la tristeza y el amor que los embarga a ambos por tener que decirse adiós.

5. Libre – Nino Bravo

Otra de las más sensibles canciones basadas en hechos reales es Libre, de Nino Bravo. Recién levantado el muro de Berlín, Peter Fechter, un joven alemán de dieciocho años, decidió cruzarlo burlando la seguridad. Mientras escalaba, recibió un impacto de bala en la espalda y estuvo desangrándose durante una hora. De ninguna de las dos “Alemanias” se atrevían a ayudarlo por temor a correr la misma suerte; ni siquiera los periodistas que todo lo registraban lo socorrieron. Fue la primera y más significativa víctima. El español Nino Bravo nos relata en Libre esta historia haciendo uso de su genio vocal, transmitiéndonos que la libertad está en cualquier parte en la que nosotros querremos que esté.

6. Tears in Heaven – Eric Clapton

Tears in Heaven es una de las canciones millonarias de la historia, cuyo origen es más trágico y lamentable. Esta balada escrita desde el más profundo dolor, es un homenaje que Eric Clapton hace a su hijo, en unión con el cantautor Will Jennings. El pequeño Connor Clapton tenía tan solo cuatro años cuando, el 20 de marzo de 1991, cayó desde el piso 53 de un rascacielos de Manhattan.

7. Té para tres – Soda Stereo

La siguiente entre las canciones basadas en hechos reales es de la banda argentina Soda Stereo, que siempre se caracterizó por sus temas cargados de energía. Pero con esta letra, el vocalista y compositor Gustavo Cerati se deshace en melancolía. El tema cuenta el momento en el que el artista y sus padres están reunidos tomando el té, a punto de abrir el sobre que les informaría del diagnóstico positivo o negativo de cáncer de su padre. Dos años más tarde, fallecería a causa de esa enfermedad.

8. Sunday Bloody Sunday – U2

Para los fanáticos de Bono, esta es una de sus mejores canciones. El tema se va hasta los convulsos años 70, para relatar los terribles sucesos que ocurrieron en la ciudad de Derry, en Irlanda del Norte. Un grupo de pobladores participaban en una manifestación organizada, en la que protestaban por una ley que permitía encarcelar a sospechosos de terrorismo sin necesidad de un juicio previo. La jornada terminó con disparos de la policía británica y un terrible saldo de catorce personas fallecidas.

9. Más allá – La Ley

La siguiente entre las canciones basadas en hechos reales es Más allá, del grupo chileno La Ley. Se trata de un tema totalmente movilizador, pues fue escrito a consecuencia del suicidio de una fanática de la banda de tan solo quince años, quien al comprender que no podría salir nunca con Beto Cuevas, el vocalista, decidió quitarse la vida. Entonces Cuevas le escribió está canción para honrar su memoria, totalmente sensibilizado. De hecho, al respecto llegó a comentar en alguna entrevista que «Decidí dedicarle una canción que le sirviera de plegaria para que pueda ascender al plano que le corresponde y no quede condenada a quedarse en este mundo por haber hecho algo tan fuerte como eso». Sin duda, una canción que surge como el himno de una tragedia.

10. Rosario Tijeras – Juanes

Y cerramos nuestro viaje por las mejores canciones basadas en hechos reales en Colombia, con el cantautor Juanes y su tema Rosario Tijeras. La canción se contextualiza a finales de los años ochenta, cuando el narcotráfico y la violencia tenían tomadas las tierras colombianas. En ese contexto, una niña fue violada por su padre o padrastro. Al crecer, tomó venganza por sus propios medios, cortándole los testículos con una tijera, acto del cual se deriva su apodo. Después de matar a varios sicarios, se convirtió en una asesina a sueldo que usaba su sensualidad y belleza como armas para debilitar al enemigo.

Y tú, ¿Conocías estas canciones basadas en hechos reales? ¿Sabes de alguna otra que quieras que sumemos a la lista? Déjanos todas tus opiniones en un comentario. ¡Estaremos deseando leerte! Y si eres, como nosotros, un fanático de las letras hermosas y con mensajes profundos, no dudes en descubrir también las canciones más románticas de la historia. ¡Te encantarán!

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1. ¿Cuál es la historia de Niccolò Paganini y el diablo?

Niccolò Paganini encandilaba con su música y seducía con sus movimientos sobre los escenarios. Tal era la fascinación que llegó a suscitar entre el público europeo, que pronto se tejió sobre él la leyenda del violinista del diablo o el violinista endemoniado. Pero la historia de este hombre fue todo menos simple. Nacido en Génova en 1782, recibió desde una edad muy temprana una férrea educación musical.

Cualquier error suponía un severo castigo. De ahí que el pequeño Niccolò viera en el arco de su violín su modo de escape y también su tortura. Él, quien cinceló su carácter, su pasión y sus oscuridades. Se sabe que siendo solo un niño el sarampión casi se llevó su vida. De hecho, llegaron a amortajarlo y a preparar su funeral. Pero afortunadamente logró salir de aquella oscuridad para introducirse en otra: la de otras enfermedades que siempre lo debilitaron, que dibujaron en él una extrema delgadez, que hicieron que perdiera tempranamente sus dientes. De ahí que sus mejillas siempre lucieran tan hundidas.

Pero la historia de Niccolò Paganini y el diablo empezó a tejerse porque este joven tenía algo especial, un aura inusual que lo envolvía de un sutil atractivo. Ya con 16 años, alcanzó un éxito absoluto. Educado por los mejores maestros pronto emergió con carácter propio sobre todos ellos: se dice que era tal su velocidad, que podía llegar a tocar doce notas por segundo y que tenía una memoria tan magistral que nunca se acompañó de partitura alguna.

2. ¿Cómo se construyó la leyenda del violinista del diablo?

La leyenda del violinista del diablo se fue tejiendo con base en la misma forma de vida y actuaciones con las que Niccolò Paganini decidió vivir. Subía a los escenarios con trajes casi deshilvanados y con su larga melena ondeando ante cada uno de sus movimientos, ante cada una de esas parábolas que tan magistralmente ejecutaba en el aire con su arco. A tal punto llegó su éxito, que decidió aumentar aún más su excentricidad para causar más impacto. Acudía a sus conciertos europeos vestido completamente de negro en un coche de caballos también negros, entrando después a un escenario en el que, previamente, había ordenado que hubiera muy poca luz, para que su representación, fuera aún más sobrenatural.

Su apariencia rozaba la excentricidad de cualquier estrella del pop de la actualidad, pero no por ello su arte perdía calidad alguna. En absoluto. De su violín arrancaba sonidos estremecedores. Su técnica con el arco era sumamente expresiva e introdujo además nuevos usos y técnicas de staccato y pizzicato. Se dice, además, que era capaz de interpretar obras realmente complejas con una sola cuerda del violín. En medio del espectáculo y para causar mayor impacto, iba cortando con las tijeras cada una de las cuerdas para quedarse con una sola, dejando sin aliento a todo su público. Fueron estas maneras de presentarse las que hicieron que en el imaginario popular, Niccolò Paganini y el diablo empezaran a vincularse extrañamente.

Por su singularidad, por su arte nunca visto y por numerosas enfermedades a las que hizo frente desde niño, se empezó a tejer alrededor de su figura la leyenda del violinista del diablo. El músico que había entregado el alma al demonio para convertirse en el mayor virtuoso del violín conocido hasta ahora. Niccolò Paganini se hizo millonario, innovó el mundo de la música e incluso el de la moda con su estilo revolucionario de vestir. Las mujeres lo adoraban como a cualquier estrella del pop o el rock de la actualidad. Se hicieron incluso perfumes con su nombre, alimentando de modo casi desmedido su leyenda. Se decía incluso que las cuerdas de su violín estaban elaboradas con cabello del diablo, pinceladas sugestivas que ensalzaron día tras día el nombre de Paganini.

3. La muerte de Niccolò Paganini

Niccolò Paganini y el diablo se convirtieron en términos profundamente enraizados en la cultura popular, pese a la adoración que todos parecían tener por el artista. El hecho es que falleció bastante joven, a la edad de 57 años. Su pérdida también estuvo envuelta por detalles curiosos. Antes de fallecer el Arzobispo de Niza quiso ir a visitarlo a su lecho de muerte, pero Paganini se negó. No quiso verlo porque según él, aún le quedaba mucha vida por delante. Pero lamentablemente no fue así, murió al poco sin recibir los sacramentos finales, por lo cual, no se quiso darle sepultura en territorio santo.

Cinco años después, el propio hijo de Paganini pidió al Papa permiso para enterrar a su padre en las cercanías de la Iglesia de Vila Gaiona, siendo finalmente concedido. Aunque tal y como dicen muchos, lo más seguro es que a Niccolò Paganini no le importara demasiado que su cuerpo descansara en campo santo…

Si te ha parecido interesante la leyenda del violinista del diablo, puedes encontrar varias películas realizadas sobre Niccolò Paganini y el diablo. Una de ellas, es la titulada «Paganini», (1989) y protagonizada por Klaus Kinski. También dispones de varios libros donde ahondar en su interesante vida, ahí donde descubrirás muchos más aspectos sobre su figura, como “Paganini, caballero de la música”, de Anatolio Winogradov, o «El arco mágico. Un romance de Paganini», de Komroff Manuel. Y si te ha interesado este artículo, no te pierdas este otro en el que te contamos sobre las más aterradoras curiosidades sobre los Pactos con el Diablo. Ahora, si lo que adoras es la música clásica, disfruta de esta selección de las mejores frases de músicos clásicos que la reviven.

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