En este artículo de Supercurioso, emprenderemos un viaje a lo largo de los milenios para conocer el descubrimiento de la música y cómo los primeros seres humanos la integraron en sus vidas. Acompáñanos en esta exploración y descubre cómo la música, más allá de ser solo un arte, es un reflejo de nuestra evolución y cultura.

La música y la humanidad: un vínculo ancestral

La relación entre la música y los seres humanos se pierde en la nebulosa de nuestro pasado ancestral. En los albores de la humanidad, nuestros antepasados se vieron rodeados de sonidos naturales, siendo el canto de los pájaros un elemento omnipresente en su entorno. Este canto, melódico y variado, no solo proporcionaba una banda sonora constante, sino que también servía como un sistema de comunicación efectivo entre las aves.

Los humanos, observadores y siempre adaptables, notaron la utilidad de estos sonidos melodiosos y comenzaron a imitarlos, dando los primeros pasos hacia el origen de la música. La fascinación con los sonidos de la naturaleza, especialmente con aquellos que podían ser replicados e innovados, llevó a la experimentación con diferentes objetos para producir sonidos, marcando el nacimiento de los primeros instrumentos.

Desde golpear piedras hasta soplar a través de caracoles, la curiosidad humana transformó objetos ordinarios en herramientas de creación sonora. Así, la música se convirtió en una forma de comunicación, un medio para expresar emociones y compartir mensajes, tejiendo una red sonora que ha unido a la humanidad a través de las eras.

La influencia de la mitología en el origen de la música

La mitología, rica y diversa en cada civilización, ha sido una fuente de inspiración y explicación para el origen de la música y su presencia en las sociedades antiguas. En la Grecia clásica, por ejemplo, se creía que la música era un regalo divino, entregado a los humanos por deidades como Apolo y las musas, quienes dotaron a la humanidad con este arte sublime para comunicar, expresar y conectar.

Por otro lado, en las antiguas culturas de la India y China, la música también se entrelazaba con lo divino, siendo atribuida a deidades específicas que, según se pensaba, habían dotado a los humanos con la habilidad de crear melodías y ritmos. Este entrelazamiento de la música y la mitología no solo proporcionó un marco para entender y valorar la música, sino que también estableció las bases para su desarrollo y evolución en diferentes culturas.

El descubrimiento de la música no era simplemente un acto de generar sonidos agradables; era un acto sagrado, un medio para conectar con lo divino y explorar la esencia misma de la humanidad. Este profundo respeto y reverencia hacia la música, arraigado en mitos y leyendas, ha sido un pilar en su perpetuación y desarrollo durante los siglos, guiando su travesía a través de la historia humana.

Instrumentos musicales: desde huesos hasta harpas

La evolución de los instrumentos musicales ha sido un viaje fascinante, marcado por la innovación y la adaptabilidad humana. En las etapas iniciales del descubrimiento de la música, los seres humanos se valieron de lo que la naturaleza les ofrecía para crear sonidos. Las flautas de hueso, descubiertas en la cueva Geissenklösterle en los Alpes de Suabia, son testimonio de esta primitiva inventiva, siendo consideradas los instrumentos musicales más antiguos conocidos, con una antigüedad estimada de más de 35.000 años.

Pero la historia no se detiene ahí. A medida que las civilizaciones comenzaron a florecer, también lo hizo la complejidad de los instrumentos musicales. En el antiguo Egipto, por ejemplo, el arpa arqueada hizo su aparición alrededor del año 2700 a.C., introduciendo una nueva dimensión a la música de la época y formando la base de la música folclórica no occidental.

Simultáneamente, la cultura china, influenciada por las tradiciones de Mesopotamia, no solo adoptó instrumentos existentes, sino que también estableció un sistema formal para la música, produciendo escalas y afinaciones que han perdurado a lo largo de los milenios. Así, cada instrumento, desde las primitivas flautas hasta las arpas y más allá, no solo ha sido un medio para producir música, sino también un reflejo de la cultura, la historia y la innovación de la humanidad a lo largo de las eras.

La música a través de los continentes

El origen de la música, en su viaje a través del tiempo, ha trascendido fronteras, integrando y adaptándose a diversas culturas y continentes, creando una rica variedad de sonidos y estilos. En África, por ejemplo, el offbeat, que pone énfasis en los pulsos tradicionalmente «más débiles» del compás, se originó y se entrelazó con lo que hoy conocemos como jazz, un género que ha influenciado profundamente la música mundial.

Este ritmo africano, con su distintiva sincopación y complejidad rítmica, ha viajado, adaptándose y fusionándose con estilos locales, desde su lugar de origen hasta los clubes de jazz y salas de conciertos de todo el mundo. Por otro lado, en el antiguo Egipto y China, la innovación musical se manifestó a través de la creación de nuevos instrumentos y sistemas musicales. El arpa arqueada egipcia, por ejemplo, se convirtió en un pilar de la música folclórica, mientras que China, con su asombroso repertorio y estructura musical, estableció sistemas de escalas y afinación que han influenciado la música en diversas culturas a lo largo de la historia.

Así, el descubrimiento de la música, en su perpetuo viaje, ha sido un vehículo de intercambio cultural, un lenguaje universal que, a pesar de las diversas formas y sonidos, ha logrado unir a la humanidad en una melodía común que resuena a través de los continentes y las eras.

Entonces, ¿por qué nos gusta la música? En su esencia, ha sido un hilo conductor que ha entrelazado culturas, épocas y civilizaciones, creando un mosaico que refleja la rica diversidad y creatividad de la humanidad. Este viaje a lo largo de los milenios nos permite apreciar no solo la música en sí, sino también comprender cómo ha sido un espejo de nuestras propias experiencias, innovaciones y la perpetua búsqueda de expresión y conexión. ¿Qué piensas acerca del origen de la música? ¡Déjanos saber en los comentarios cualquier detalle que quieras añadir!

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El color y la música han estado íntimamente relacionados desde el comienzo de los tiempos, por lo que un examen de la oscura relación entre estos dos conceptos resulta particularmente interesante.

Seguro que te ha pasado lo siguiente: estás escuchando un determinado tipo de música, en ese instante, te encuentras escogiendo ropa de un color y sintiéndote más o menos feliz, relajado o triste. Lo anterior sucede porque la música transmite emociones y logra conectar con nuestros sentimientos, despertando un estado de ánimo, un recuerdo o una emoción en específico.

Es realmente fascinante ver cómo nuestro cerebro crea esas conexiones y asociaciones abstractas entre la música y el color. Un grupo de investigadores se han volcado en estudiar esa asociación y en que consiste este fenómeno. Aquí, en Supercurioso, hallaremos todas las respuestas.

¿Cuál es la relación entre la música y el color?

Cuando se trata de la relación entre el color y la música, es importante entender los conceptos básicos. En primer lugar, la música es definida como «el arte de combinar sonidos mediante maneras tanto melódicas como rítmicas», mientras que el color hace referencia a una forma de percepción visual, que se experimenta al combinar luz y pigmento.

En segundo lugar, desde el punto de vista artístico, el color es un medio para describir y transmitir emociones, mientras que la música se ha considerado como una manera de compartir sentimientos tanto conscientes como inconscientes. Así, es posible que exista una conexión profunda entre estos dos conceptos, que puede explicarse desde un punto de vista interdisciplinario.

Estudios sobre el color y la música

Durante los últimos años, se han realizado numerosos estudios sobre el tema. Dichas investigaciones han demostrado que hay una estrecha relación entre la música y el color, debido a que los principios y conceptos subyacentes ambos están basados en los mismos principios básicos.

Por ejemplo, los estudios demuestran que hay una conexión entre la escala musical y el arco iris, o que la música está influenciada por diferentes situaciones cromáticas. Las investigaciones también demuestran que hay una fuerte influencia entre los colores y la música en el terreno de la pintura.

¿Tiene color la música?

Para encontrar la respuesta, es importante conocer las diferentes teorías y perspectivas que existen hasta ahora.

1. Teorías cromáticas

Hay varias teorías cromáticas que explican el uso del color en la música. Una de ellas es la teoría del color cromático de Pitágoras, que tuvo su origen en la antigua Grecia. Esta perspectiva póstula que los colores y los sonidos comparten una conexión, puesto que ambos son expresados a través de números.

La anterior teoría también se conoce como «armonía de los colores» porque los dos comparten la misma jerarquía. Otro ejemplo es el modelo cromático heliocéntrico de Goethe, según el cual el color hace referencia a la longitud de onda de la luz y la música es la longitud de onda de los sonidos.

2. Experiencias y percepciones

Además de las teorías científicas, hay una amplia variedad de artistas y músicos que han tratado de explicar la relación entre el color y la música a través de sus experiencias y percepciones.

Por ejemplo, el compositor Richard Wagner relacionó el color con la escala musical y la atmósfera de la música con el color del cielo. También existen varios artistas que han intentado expresar esta conexión a través de sus obras, como el pintor español Joan Miró, quien dijo: «El mundo se puede ver en una gama infinita de colores».

Aunque algunas de esas explicaciones son sutiles, el trabajo pionero de muchos artistas ha contribuido enormemente a la comprensión de la conexión entre el color y la música.

3. Perspectivas interdisciplinarias

Desde un punto de vista interdisciplinario, hay varias disciplinas que se abocan a explicar la conexión entre color y música. La neurociencia, la psicología y la fisiología han contribuido con ideas e investigaciones significativas, donde destacan el papel de los conceptos como «resonancia» y «actividad ondulatoria bajo-precisión».

Dichas teorías parten de la premisa de que las ondas sonoras tienen un impacto en la percepción del color porque los sonidos y los colores poseen una influencia física en el cerebro humano.

¡Descubre de qué color es la música!

Un grupo de investigadores ha llevado a cabo en Estados Unidos y México una curiosa experiencia cuya finalidad es estudiar cómo funcionan las asociaciones de música y color.

En Estados Unidos, se escogieron unas 30 personas para que escucharan cuatro clips de música y eligieran qué colores encajan mejor con la música.

Con una paleta de 37 colores y ante piezas como el Allegro del Concierto de Branderburgo de Bach, pieza n.º 4, la mayoría de los participantes escogieron colores brillantes y vivos, especialmente amarillos.

Un segundo clip de la misma pieza de Bach, pero con un tiempo más sosegado, les llevó a escoger tonos grises y azules, mientras la pieza C, una canción de rock, quedó plasmada en rojos y negros.

La última pieza, una pieza lenta y a piano, también provocó que los participantes optasen por colores apagados, de nuevo del gris al azul.

Pero, ¿por qué la música y los colores coinciden de esta forma particular?

Según concluyeron los especialistas, la música y el color tienen cualidades emocionales comunes, con asociaciones emotivas similares. Aunque quizás no sepamos por qué cada persona califica la música y cada color según cinco dimensiones emocionales que van de la alegría hasta la tristeza, en realidad es interesante la relación de ambos.

Los resultados del primer experimento llevado a cabo en Estados Unidos fueron prácticamente idénticos en México, algo que sugiere que este tipo de asociaciones pueden ser universales.

Para estas personas los sonidos tienen colores y brillan como si fuesen fuegos artificiales. Un dato curioso es que el compositor Franz Listz tenía esta capacidad de ver los colores de aquella música que componía.

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La música de Canserbero destaca por su lírica extremadamente creativa y genial, donde mezcla referencias a grandes bandas del rock en inglés y latino e importantes obras literaria con las realidades de Caracas y Maracay, ciudades sumidas cada día en un mayor caos y pobreza, con todo lo que ello implica a nivel social, económico y político, desde la crisis petrolera y la consolidación de gobiernos autoritarios con políticas fracasadas de «mano dura». Por ello es importante conocer la vida y muerte de Canserbero.

Uno de sus grandes logros fue hacer rap independiente. Si Canserbero se hubiese comercializado con grandes sellos (ya que oportunidades no le faltaron) probablemente habría sido más conocido, pero él era congruente con sus principios. Lo triste es que, después de la muerte de Canserbero, hay quienes se aprovecharon e hicieron la fortuna que él no hizo con su música. A continuación te contamos algunas hipótesis sobre su muerte.

3 Hipótesis sobre la muerte de Canserbero

La muerte de Canserbero está rodeada de misterio, intereses en conflicto y muchas teorías, tomadas de las declaraciones de sus familiares y la versión «oficial» presentada por la policía, piezas que sus fans se dedicaron a comparar para tratar de acercarse a la verdad: lo único que sabemos con seguridad es que Tirone cayó de un décimo y murió, mientras que Carlos murió apuñalado y que, el apartamento donde se encontraban, había sido destrozado con muchos signos de pelea violenta. A continuación te presentamos las principales hipótesis sobre la muerte de Canserbero.

1. El suicidio de Canserbero (la menos creíble)

La siguiente es la versión «oficial» que presentó el CICPC, pero que presenta algunas incongruencias importantes: Según las declaraciones de Natalia Améstica, única testigo y esposa de Carlos Molnar (el representante de Can, cuyo cadáver fue encontrado en el mismo día y lugar), Carlos invitó al rapero a su casa para celebrar el cumpleaños de la hija del primero, luego de que los invitados se fueran, empezaron a discutir. Esta discusión llevaría a una pelea que acabó con Canserbero apuñalando a Carlos y lanzándose por la ventana inmediatamente después. Estas declaraciones fueron publicadas por un periódico de Maracay, donde aseguraban que Tirone sufría de esquizofrenia y depresión, antes de confirmar los hechos con el CICPC.

Sin embargo, amistades y familiares del cantante pidieron respeto, declarando que no sufría enfermedad alguna ni creían que Carlos fuera asesinado por Canserbero, ya que era uno de sus mejores amigos, tenían años trabajando y acababan de llegar de una gira exitosa por Latinoamérica. Vale mencionar que el dinero resultante de la gira nunca fue encontrado ni en posesión de familiares de Tirone ni en los apartamentos de Can o Carlos. Pocos días luego de dar estas declaraciones, Natalia dejó el país.

De esta hipótesis, llaman la atención:

1. Natalia nunca llamó a la policía ni a una ambulancia, se quedó en el lugar de los hechos hasta que esta llegó al día siguiente, lo cual pudiera ser causa del shock al presenciar la muerte de dos personas en circunstancias violentas, pero aún así, no hizo el intento de salvar a su esposo de esta manera.
2. Lo más relevante: la ventana por la que «se lanzó» Tirone era de macuto, es decir, tenía forma de persiana compuesta por piezas de vidrio, las cuales la policía encontró intactas, por lo que Canserbero tendría que haberlas quitado todas antes de lanzarse (inconcebible si era preso de un ataque de esquizofrenia como declaró Natalia) y alguien tuvo que haberlas devuelto a su lugar luego de la caída de Can.
3. Natalia no se quedó para prestar testimonio en las audiencias sobre el caso, sino que abandonó el país antes de recibir citación judicial y no volvió.
4. El dinero de la gira nunca apareció, como ya habíamos mencionado.

2: El asesinato de Canserbero (la más popular)

Lo que sucedió en ese apartamento de Maracay probablemente nunca lo sabremos, pero, basados en los hechos seguros: que Canserbero cayó de una ventana que quedó intacta y que Carlos fue apuñalado hasta la muerte, fans han sacado dos teorías que suenan más lógicas: 1. Que Canserbero fue asesinado por razones políticas y 2. Que Natalia y Canserbero eran amantes.

Hay quienes apuntan a que, en realidad, muerte de Canserbero y de Carlos fueron asesinatos perpetrado por razones políticas, debido a que Can era un activista social abiertamente en contra de las políticas de «mano dura» contra la población venezolana y acusaba de corrupción a muchos funcionarios conocidos. Además, Canserbero era demasiado influyente en la opinión pública dentro y fuera de Venezuela.

Esta hipótesis explicaría:

1. El por qué Natalia no llamó a la policía ni a una ambulancia en el momento en el que se suscitaron los hechos.
2. La razón por la que Natalia rindió una sola declaración sobre los hechos con tantas incongruencias obvias.
3. Que Natalia, única testigo de lo que pasó, huyó del país los días siguientes, evitando hacer frente a la investigación de los hechos y a la posibilidad de peligro que correría su vida y la de sus hijos.
4. Los excesivos signos de violencia del apartamento, la crueldad de las muertes y el llamativo hecho de haber quitado los cristales de la ventana para lanzar a Can.
5. Se trataría del crimen de Estado perfecto: una testigo aterrorizada que brinda declaraciones sobre un doble homicidio perpetrado por las mismas víctimas. Nadie más que pueda declarar lo contrario.

La hipótesis del asesinato como muerte de Canserbero tiene otra vertiente: autores de esta teoría creen que Tirone y Natalia eran amantes, así que Carlos podría haberles hecho frente, lo cual habría terminado en Carlos lanzando a Tirone por la venta, provocando la muerte de Canserbero y, al volverse hacia ella, esta se defendería con un cuchillo, apuñalándolo. Esta teoría podría considerarse como producto de la imaginación de fans a partir de la canción «Stupid love story» y cuenta con dos factores a tener en cuenta: Si fuera cierta, significaría que Carlos habría premeditado el asesinato de Canserbero, ya que habría tenido que quitar todos los cristales de macuto de la ventana para que no se partieran al lanzar a Tirone y luego volverlos a colocar antes de atacar a Natalia. Es una posibilidad, pero remota.

3. El accidente de Canserbero (la más improbable)

Sin duda alguna, esta teoría apenas se barajó debido a que también se encontró el cuerpo de su mánager. Al tener dos cadáveres en la escena del crimen, lo más lógico es que ambos estén relacionados. Además, está el hecho de que en el apartamento se encontraron muchos indicios de violencia. Prácticamente se puede descartar que la muerte de Canserbero y su mánager fueran simples accidentes, los apuñalamientos y las caídas de personas por ventanas con cristales intactos, no ocurren solos.

Además de la Muerte de Canserbero, no te pierdas…

Como habrás podido comprobar, el caso de la muerte de Canserbero y Carlos Molnar conmocionó a la opinión pública por lo inesperado del hecho y el misterio que lo rodea. En realidad parece una historia de novela negra, ya que en ella se mezclan amistad, política negra, amor prohibido y muerte. Lo que sabemos con seguridad es que perdimos a un gran artista. Si quieres conocer más sobre Can y sobre Venezuela, te recomendamos otras entradas sobre:

• Frases de Canserbero: descubre y recuerda las mejores canciones y frases de Canserbero con esta recopilación.
• Mejores Frases de Rap: por si quieres descubrir otros temas o artistas que destaquen en este género musical.
• Curiosidades de Venezuela: aprende mucho más sobre el fascinante país de nuestro rapero. Y, si te animas a visitarla, tampoco te pierdas esta guía sobre Qué ver en Venezuela.

¡Cuéntanos! ¿Qué opinas sobre la vida y muerte de Canserbero? ¿Crees que hicimos una recopilación adecuada de los hechos e hipótesis que han surgido? ¿Cuál hipótesis te parece la más lógica? ¿Conocías ya a Canserbero? ¿Cuáles de sus canciones has escuchado? ¡Estaremos esperando tus reacciones en los comentarios!

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Los instrumentos musicales más fáciles

1. Glockenspiel

Pronunciar el nombre de este instrumento es más difícil que tocarlo, te lo aseguramos. Del alemán glocken, «campanas», y Spiel, «tañido», es una versión portátil del xilófono. Se compone de láminas de metal, percutidas con baquetas de madera, plástico o metal. Emite un sonido vibrante y claro, con una extensión sonora variable, que va de dos octavas y media, a tres octavas en adelante.

Lo que más nos encanta de este instrumento es su versatilidad, pues ha sido incluido en géneros como el rock, pop, música clásica, entre otros. ¿Quieres escuchar cómo suena? ¡Es pura magia!

2. Ukelele

El ukelele tiene algo encantador, que es que apenas comienza a sonar, la atmósfera se vuelve más alegre y ligera. Como si viajáramos con cada nota a un lugar tan feliz como lo sería una playa hawaiana.  Más allá de esto, una de las razones por la que este instrumento se ha vuelto tan popular se debe a que su grado de complejidad es menor con respecto a otros instrumentos de cuerda.

Lo primero que tienes que saber, existen varios tipos de ukeleles:

El ukelele tamaño sorprano, el más pequeño, también el más usado en el mundo. Suele ser el ukelele más económico y su sonido el más agudo. Mientras que los tenores y barítonos son de mayor tamaño y con un amplio rango de notas.

Un dato básico para seleccionar cuál es el ukelele adecuado para ti, es fijarte en el tamaño de tus manos. Si son muy grandes, elige uno con una dimensión proporcional a ellas (tenor o barítono). Aunque es igualmente importante fijarse en el sonido que buscas al momento de elegir tu instrumento, por ejemplo, si prefieres que emita tonos agudos o si te gustan los tonos más amplios y llenos.

Otro consejo, comienza practicando con el acorde C, que es el menos complicado de todos. Solo debes colocar un solo dedo en una cuerda ¡y a tocar!

3. Cajón

Este instrumento puede parecer tan solo una caja a simple vista, pero no lo subestimes por su apariencia, en el año 2001 el cajón fue reconocido en el Perú como Patrimonio Cultural de la Nación. Una vez que escuches su sonido expresivo y rico, entenderás la razón.

Este instrumento típico de Perú se ha popularizado en todo el mundo gracias al flamenco, el jazz y la música caribeña. Es uno de los instrumentos musicales más fáciles de aprender a tocar porque para hacerlo sonar, lo esencial es divertirse golpeando los lados de la caja manteniendo el ritmo con la palma de las manos.

4. Tambor snare

Todo instrumento, por sencilla que sea su ejecución, cuenta con cierto nivel de complejidad. Pero la simpleza del tambor snare, el favorito de bandas y orquestas alrededor del mundo, lo vuelve especialmente atractivo para mejorar la coordinación por si lo que quieres realmente es aprender a tocar un instrumento más técnico como la batería.

Se toca con unas vaquetas de madera, preferiblemente ligeras para llevar el ritmo cómodamente. Se recomienda realizar ejercicios como paradiddles y flams, comenzando lentamente hasta incrementar la velocidad. ¡Inténtalo!

¿Te animas a aprender a tocar uno de los instrumentos musicales más fáciles? ¿Cuál te gustaría probar? Lo vital es no caer en frustraciones, recuerda que la práctica hace al maestro. Déjate llevar y diviértete en el proceso.

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Como ya sabrás, Kurt Cobain fue un destacado cantante durante la primera mitad de los años noventa. Máximo exponente del estilo musical conocido como grunge y líder de Nirvana, pasó a ser leyenda justo después del momento en el que lo encontraron muerto en su casa tras suicidarse. Tal era la obsesión de este músico con la cantante Frances Farmer, que hasta le puso su nombre a la única hija que tuvo llamada Frances Bean Cobain. ¿Quieres conocer la historia de esta actriz de Hollywood y cómo inspiró a Kurt Cobain? ¡Pues sigue leyendo este artículo!

Frances Farmer. Una de las biografías más tristes de Hollywood

Frances Farmer fue mujer adelantada a su tiempo

Quizás, los problemas de Frances Farmer empezaron por su carácter. Era una mujer avanzada y con las ideas muy claras, independiente y con criterio propio, en una época en la que las mujeres eran bastante menospreciadas. La mayoría de actrices de los años 40, eran sencillamente una cara bonita que obedecían sin rechistar en un mundo dominado por los hombres. Frances Farmer alzó la voz, quería papeles más profundos y más derechos para las mujeres, por lo que la historia de esta actriz no merece caer en el olvido.

El carácter de Frances Farmer, se debió en gran parte a su madre que la educó de tal forma en la que valores como la igualdad o la libertad tenían una importancia capital. Ya desde su adolescencia, Frances apareció en varios periódicos debido a que daba discursos reivindicativos en los que se dudaba de la existencia de Dios. Educación que complementó en la universidad, dónde escribió varios artículos criticando la sociedad de la época. Farmer consiguió licenciarse en periodismo, aunque en contra de sus deseos de enfocar su vida en este campo, comenzó a actuar siguiendo los sueños de su madre.

Mucho más que una cara bonita en Hollywood

Gracias a su belleza, Frances Farmer firmó un contrato por siete años con el estudio cinematográfico Paramount Pictures. Nada más comenzar en el mundo de la actuacción, Frances comprobó que este no estaba hecho para ella. Ya que era una mujer que necesitaba mucho más que aprenderse un guión y vestirse para ir de fiesta.

Debido a esto, se reveló con todo el que la rodeaba harta de los papeles de chica ingenua que no paraban de ofrecerle. A pesar de todo ello, continuó obedeciendo en todo lo que le exigían por contrato, ya que su madre prácticamente la obligaba a ello. Frances Farmer era una mujer muy fuerte, pero todo esto fue poco a poco minando su moral y cambiando su actitud.

Declive en Hollywood y problemas psiquiátricos

Frances Farmer, era una actriz que no convenía a los altos directivos de Hollywood. Llegó un punto que la rabia que contenía salió a la luz y llegando incluso a propinarle un puñetazo a un alto cargo de la productora. Debido a este último incidente y a las numerosas multas de tráfico que acumulaba, se decidió internarla en un psiquiátrico con la excusa de que era una desequilibrada ocultando así el verdadero motivo.

Tras diagnosticarle esquizofrenia paranoide fue tratada con los métodos salvajes de la época, pero aun así consiguió salir del psiquiátrico. A pesar de estar en sus cabales, entre su madre y los directivos de Hollywood lograron que se la considerara incapaz y volvió a ingresar en el infierno de la institución mental. Sus cinco años en el hospital Steilacoom, fueron una auténtica pesadilla. Gracias a su hermana, quien relató su infierno en un libro, podemos conocer todo lo que pasó Frances Farmer en aquella institución. Sufrió continuas violaciones, vejaciones e incluso una lobotomía para apaciguar su carácter. Tras su paso por el hospital ya no volvió a ser la misma y a pesar de sus apariciones posteriores en alguna obra de teatro ya nunca recuperó su pasión, ni carácter.

La historia de esta mujer y su sufrimiento no cayó en el olvido, sirvió para ser una fuente de inspiración para muchas mujeres que la adoptaron como símbolo en su lucha. Kurt Cobain conoció su terrible vida y le impactó al instante, escribió varías canciones para Frances Farmer y además quiso rendirle homenaje llamando a su hija como ella. Seguro que este artículo te ha sorprendido, por lo que estamos deseando conocer tu opinión. ¿Conocías la personalidad de Frances Farmer? ¿Te parece buena la vida que vivían las actrices de los años cuarenta? ¿Qué opinas de las prácticas salvajes que sufrió la actriz? ¡Déjanos tus comentarios!

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Música para estudiar y concentrarse. Consejos

Todo el mundo sabe que para estudiar es necesario un entorno tranquilo y sin distracciones, pero a algunas personas demasiada paz puede provocarles aburrimiento y sueño y, por tanto, falta de concentración. Por ello, y aunque hay quien dice que la música no es buena para estudiar, muchas tesis demuestran que la música suave es una buena alternativa al silencio y que además ayuda a elevar el estado de ánimo y motiva a seguir estudiando.

Si no quieres equivocarte y acabar desconcentrado, sigue nuestros consejos sobre la mejor música para estudiar:

1. Escucha música tranquila y armoniosa. La música clásica es la mejor opción, pero también va muy bien la música instrumental para estudiar.
2. Vigila el volumen. Es fundamental que el volumen no sea demasiado alto, ya que terminará desconcentrándote y supondrá una pérdida de tu valioso tiempo.
3. Escoge canciones sin letra. Si no quieres  caer en la tentación de cantar tus temas preferidos es aconsejable escuchar canciones sin letra, ya sea música clásica o bandas sonoras de películas.
4. Crea una lista de reproducción. Para no tener que estar todo el rato buscando la mejor música para estudiar y que eso suponga una distracción, crea tu propia lista de reproducción, que dure unas dos horas, lo que te marcará también el momento de hacer una pausa.
5. No escuches música de la radio. La palabras de los locutores y los anuncios te distraerán.

¿Qué música escuchar para concentrarse?

Si no quieres hacerte tu propia lista, en Spotify puedes encontrar una gran variedad de listas ya creadas con música para estudiar y concentrarse. En el apartado ‘Estados de ánimo’ sugieren la lista BSO (música para estudiar), «la playlist para estudiar con mayor número de seguidores», que ha sido creada por un español. En ella podrás encontrar más de 170 canciones de música instrumental y sin letra, que forman parte de la banda sonora de películas como Amelie, Gladiator, Pearl Harbor, Star Wars o Up, entre otras.

Si en vez de música instrumental para estudiar prefieres la música clásica, la lista Intense Studying favorecerá tu concentración. Está formada por unas 100 canciones de compositores clásicos como Mozart, Bach, Haydn, Vivaldi, Handel o más actuales como David Lang.

Spotify también te propone la lista Instrumental Study, con 40 canciones de música relajante para estudiar, que según la define su creador te permitirá mantener «toda tu atención en la tarea en cuestión».

Incluso hay quien prefiere la música electrónica para estudiar, o incluso la banda sonora de un videojuego, ya que los ritmos repetitivos de este tipo de música pueden ayudar a concentrarse y a usar esa música para memorizar los textos a estudiar.

Música para trabajar y concentrarse

Las oficinas de planta abierta, según sus promotores, facilitan la comunicación entre los trabajadores, rompen las barreras jerárquicas, fomentan la creatividad y crean un ambiente más relajado donde florece la creatividad; pero para otros, este rediseño del espacio laboral es un infierno: voces, estornudos, teléfonos… impiden concentrarse en el trabajo que se tiene delante.

Escuchar música conectados a un buen par de auriculares parece a simple vista la mejor solución. Pero ¿nos ayuda realmente a hacer mejor nuestro trabajo? Y,  ¿qué música para trabajar y concentrarse deberíamos escuchar?

Si lo que tenemos que hacer requiere comprender un texto o procesar información, deberemos escuchar música que pueda ayudar a nuestra concentración, que no tenga letra o sea en un idioma que no comprendamos. En estos casos la música instrumental es lo mejor.

Si el trabajo a realizar es más mecánico, como puede ser el caso de un obrero que efectúa una misma tarea durante horas, escuchar música más movida (rock, discotequera…) puede reportar grandes beneficios. Algunos estudios hechos en fábricas notaron que la música mejora el estado de ánimo y los trabajadores acaban realizando mejor sus tareas. Esto se aplica mejor a trabajos físicos que no requieren gran habilidad mental.

Y, curiosamente, también funciona, aunque con música más relajada, en el caso de ciertas operaciones quirúrgicas, como por ejemplo el trabajo de un cirujano que hace una operación cerebral, según ha revelado un reciente estudio, que asegura que: «En ese caso, la situación es similar a la de un camionero de larga distancia. Si todo va bien, la tarea en sí (perforar el cráneo) es, de alguna manera, aburrida y repetitiva, con lo cual necesitas algo que te mantenga psicológicamente estimulado. Claro que la música debería desaparecer una vez que el cirujano empieza a trabajar directamente sobre el cerebro».

Por último, un factor más a tener en cuenta para saber qué música escoger para concentrarse es la personalidad de cada uno: los extrovertidos se sienten más cómodos en ambientes ruidosos y los introvertidos todo lo contrario.

Y tú, ¿qué música te pones para concentrarte? ¿O prefieres estudiar y trabajar en silencio?

Si quieres saber más cosas curiosas sobre la musica: Cuál es la música favorita de los perros. Un estudio tiene la respuesta

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Si se te eriza la piel escuchando música ¡Eres maravillosamente diferente!

Matthew Sachs, estudiante de la reconocida universidad Harvard University descubrió que las personas que experimentan reacciones físicas a partir de la música tienen unos cerebros estructurados de forma diferente, en comparación con aquellos que no tienen ese tipo de reacciones. Así que si eres de los se te eriza la piel al escuchar una buena canción, es porque -de algún modo- eres especial.

Para llegar a esta conclusión, el joven Sachs usó una combinación de datos de encuestas, medidas conductuales y psicofisiológicas e imágenes de tensor de difusión, y descubrió que aquellos que tienen una mayor respuesta hacia la música, tienden a tener un mejor vínculo entre el departamento de audición del lóbulo temporal del cerebro y esos trozos de materia gris que mantienen todas esas emociones bajo control. Por ello, es más probable que experimenten emociones más fuertes y más intensas que otras personas.

Las reacciones emocionales a los estímulos estéticos, en especial en la música, son bastante intrigantes para los humanos, ya que son profundamente placenteros y gratificantes, pero también varían muchísimo de persona a persona. Precisamente por eso, encontrar las diferencias conductuales y neurales entre las personas que experimentan tales reacciones y aquellas que no lo hacen puede ayudar a comprender mejor los circuitos de recompensa y la importancia evolutiva de la estética para los humanos.

Además, el volumen de conectividad de la materia blanca se correlacionó significativamente con la tendencia de un participante a experimentar escalofríos: cuanto más frecuente sea en una persona el experimente escalofríos, mayor será el volumen de conectividad de la materia blanca entre las regiones de su cerebro.

En conclusión, los resultados actuales pueden apuntar a teorías tanto científicas como filosóficas sobre los orígenes evolutivos de la apreciación de la estética por parte de los seres humanos, específicamente en lo que a la música se refiere. Quizás una de las razones por las que la música es un artefacto culturalmente indispensable es que entra directamente a través de un canal auditivo y llega a los centros de procesamiento social del cerebro humano.

Allí lo tienes, ¡la maravilla de ser tan diferentes!

¿Se te eriza la piel cuando escuchas una canción o melodía concretas? ¿Cuál es? ¡Cuéntanos tu experiencia! Ahora ya sabes que tu cerebro es un poco distinto respecto al de aquellos que no experimentan esta sensación cuando disfrutan de buena música.

Si te ha gustado descubrir lo que implica que sientas esos curiosos escalofríos al escuchar música, también te podría interesar conocer:

• La melodía más relajante del mundo. ¡Descubierta por los científicos!

Escúchala y haznos llegar tu opinión. ¿A ti te parece tan relajante como asegura la ciencia?

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5 Datos curiosos sobre las más famosas canciones de Disney

Cada vez que escuchamos uno de los clásicos de alguna película de Disney, nos viene algún recuerdo de nuestra infancia e incluso nos despierta cierta nostalgia. De hecho, hay quienes, aunque ya somos adultos, todavía conocemos cada palabra de cada canción. Por eso, hemos hecho una lista con algunos datos curiosos sobre las canciones clásicas de Disney, que tal vez no conocías.

1. La canción «Bella y Bestia» se grabó en un solo intento

De camino a la grabación de la canción, el vuelo de Angela Lansbury -quien le puso voz a la señora Pots- a Nueva York se vio obligado a hacer un aterrizaje de emergencia en Las Vegas. Justo cuando el estudio estaba listo para cambiar la fecha de la grabación y modificar así todo el plan que habían gestionado, la actriz llamó para hacerles saber que ¡seguramente llegaría a tiempo!

A pesar de que el productor, Don Hahn, le dijo que no tenía que grabar ese día después de los nervios y el cansancio del viaje, que se adaptarían, ella le dijo: «No seas ridículo, vengo ensayada. Estoy lista para ir al estudio». Así, cantó perfectamente la canción hasta el final. La toma fue lo suficientemente buena para ser usada en la película. 

2. «El círculo de la vida» cambió el inicio de «El Rey León»

La idea original para la apertura de la película era comenzar con un diálogo, pero después de escuchar el trabajo de Hans Zimmer y Lebo M con «El círculo de la vida» los directores decidieron utilizarlo como apertura porque era tremendamente poderoso. Estamos de acuerdo con esta decisión, ¿verdad?

3. «Parte de tu mundo» casi fue cortada de «La Sirenita»

Después de una proyección temprana, los cineastas casi decidieron cortar lo que más tarde se convertiría en una de las canciones (y secuencias) de Disney más queridas de todos los tiempos. ¡Suerte que no lo hicieron!

4. «Bibidi babidi bu», en un inicio, fue presentada solo como una muestra

Al Hoffman, Mack David y Jerry Livingston, miembros del grupo Tin Pan Alley de Nueva York, le pidieron a Ilene Woods (la voz de Cenicienta) que grabara una demo de la canción para poder presentarla a Walt. En esta muestra también había dos canciones de la actriz, que luego se usarían en la película. Así fue como Ilene Wood terminó logrando también el papel protaf.

5. «Lo más vital» es la única canción de «El libro de la Selva» que no fue escrita por los hermanos Sherman

El tema fue escrito por Terry Gilkyson, el compositor que estaba en el proyecto antes de Richard y Robert Sherman, y que había firmado para escribir la música. A los cineastas les gustó tanto que decidieron mantener esta canción.

¿Cuál es tu canción favorita de Disney? ¡Cuéntanoslo!

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Imágenes: Pixabay

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Algunos datos sobre los Stradivari y los extraordinarios violines que fabricaron

1. Antonio Stradivari es mayormente conocido por la forma latinizada de su nombre: Stradivarius. Nació en 1644 en Lombardía, Italia y vivió hasta la avanzada edad de 93 años, una vida extraordinariamente larga para los estándares del siglo XVII y Siglo XVIII.
2. En 1683, se instaló en la Piazza San Domenico de Cremona, en el mismo edificio que su maestro Poll Androise, aunque algunos dicen que fue aprendiz de Nicola Amati, un famoso luthier también de Cremona.
3. La inscripción «Antonius Stradivarius Cremonensis anno...» («Antonio Stradivari, de Cremona, hecho en el año…») era grabada en cada uno de sus instrumentos. No sólo violines, sino también arpas, guitarras, violas y violoncellos.
4. Se calcula que construyó entre mil y mil cien instrumentos a lo largo de su extensa carrera como luthier. De esta gran cantidad, se conservan alrededor de 650 hasta la fecha.
5. Sus instrumentos son un misterio. Hasta hoy los expertos no han podido determinar la razón por la cual son de tan alta calidad, aunque existen varias teorías que explican su extraordinario sonido. Algunos dicen que se debe al pegamento que usaba y otros aseguran que se debe a la densidad de la madera. La hipótesis más popular es que se trata de la gran variedad de químicos presentes en ellos.
6.  Antonio Stradivari estuvo casado dos veces y tuvo diez hijos. De estos, sólo dos (aunque posiblemente tres) se dedicaron al oficio de la restauración y fabricación de instrumentos musicales, siguiendo los pasos de su padre. Existe un tercer hijo, Giovanni Battista Martino Stradivari, que probablemente también trabajó en el taller familiar, destacando como luthier, pero murió a los 27 años en 1727. Se desconoce mucho sobre este Stradivari.
7.  Los violines Stradivarius son extremadamente costosos. La mayor cantidad de dinero que se ha pagado por uno de estos ejemplares es de 3,544,000 millones de dólares en una subasta pública y aunque esta suma puede parecer exorbitante, las ventas privadas de estos instrumentos la superan con creces. La razón por la que se venden a tales precios es la altísima calidad de su sonido, su antigüedad y el hecho de que son objetos raros.
8.  No pueden ser reproducidos. Muchas veces han intentado replicar la calidad del sonido de los Stradivarius sin mucho éxito. En primer lugar debido al alto nivel de habilidad artesanal que va en la creación de un instrumento como estos y además, porque los materiales usados en un violin Stradivarius no han sido jamás verdaderamente descubiertos.

¿Qué te parecen estos datos sobre los Stradivari y sus fabulosos instrumentos musicales?

Imágenes: Wikimedia Commons

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Trucos bajo la manga para componer canciones

Una banda llamada Axis of Awesome bromeaba con que el secreto del éxito para ser una estrella pop son las “canciones de 4 acordes”, porque al parecer todos los hits de los últimos años están basados en esta fórmula.

La banda escribió una canción, que explica su teoría.

Al parecer, según explican en webs especializadas en escribir canciones, muchos críticos de la música pop se empeñan en decir que la música de este género solo utiliza 4 acordes (I-V-vi-IV). Que estos aparecen en cientos de canciones. Lo que los críticos que dicen esto olvidan es que la progresión de acordes no es el tema en sí mismo, sino el escenario donde esto ocurre.

En este sentido, lo que quieren decir es que los acordes no son la esencia de la música, sino el acompañamiento. Estos sirven para desarrollar un número casi infinito de melodía, ritmo y arreglos que en sus combinaciones permiten crear un sinfín de canciones. «En otras palabras cuando uno canta una canción, canta la melodía, no la progresión de acordes y es por ello que podemos obtener infinidad de canciones con una sola progresión de acordes», agregaban.

Uno de los pros y contras de la progresión de acordes estándar es la familiaridad del sonido. El dilema del artista, es que tiene que crear algo original y único pero no tan original como para que sea inentendible y sin sentido.

Los artistas hablan

Muchas veces se le pregunta a los cantautores cómo hacen para escribir sus canciones y que sean del gusto del público, ellos responden comentando su fuente de inspiración, pocos mencionan alguna técnica secreta.

«Tengo un proceso estructurado de composición. Comienzo con la música e intento llegar a ideas musicales, luego la melodía, luego el gancho, y las letras vienen al final. Algunas personas empiezan con las letras primero porque saben de lo que quieren hablar y simplemente escriben un montón de ideas líricas, pero para mí, la música me dice de qué hablar», afirma el músico John Legend.

Otros artistas, se basan en vivencias para componer canciones. «Mi experiencia con la escritura de canciones suele ser tan confesional, es tan extraída de mi propia vida y mis propias historias», dice Taylor Swift, quien es bien conocida por su música sobre las relaciones amorosas que ha vivido.

El gutarrista de Rage Against the Machine y Audioslave, Tom Morello, si ha expresado usar una técnica para la música. «La combinación de tres acordes y la copla lírica correcta tienen tanto peso como cualquier otra cosa en el catálogo de Metallica», opina.

Entonces, sí se puede decir que existe una fórmula para componer, lo diferente es que no es la misma para todos los artistas, o al menos es lo que dicen.

¿Tienes algún consejo sobre cómo escribir una canción? Déjanos saber en los comentarios, o comparte este artículo con tus amigos si te resultó útil.

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